El sábado 23 de Julio de 2011 me acerqué al Victoria Park de Londres donde se celebraba la segunda edición del High Voltage Festival. Mi idea inicial era asistir sólo al primer día, y al final fue lo que hice, así que no puedo decir nada de lo que sucedió en la segunda jornada.

El primer artista del escenario principal, a las 13:30 del mediodía era Michael Monroe. Y tengo que reconocer que de todo el line-up del festival, la de Michael era la actuación que más ganas tenía de ver.

Michael tiene un super-grupo en el que destaca la presencia de Sammi Yaffa, ex-bajista y compañero de Michael en Hanoi Rocks, y el nuevo fichaje de Dregen, ahora que parece que Backyard Babies están en un parón indefinido.

Michael fue un auténtico torbellino en escena, tiene una energía brutal, no para de moverse en ningún momento, corre a un lado, a otro, salta, hace el espagaz, se pelea con los pies de micro y con todos los cables que se meten en su camino o se quedan enganchados en algún lado y no le dejan llegar todo lo lejos que quiere, se baja al foso a darle la mano a todos los que se encuentran en las primeras filas, bromea con algunos de ellos, se sube a los andamios que sujetan el escenario, y todo eso sin dejar de cantar ni siquiera cuando en medio del frenesí desenchufa su micrófono, se va corriendo al que tienen para los coros de Dregen, y se adueña de él mientras los técnicos arreglan el problema con su micro. Y también toca la harmónica y el saxofon.

Aquí lo veis peleándose con el micro bajo la atenta mirada de Marko Mendoza y Richard Fortus, que no se quisieron perder el espectáculo, y en la siguiente imagen, subido por las paredes.

Empezó con “Got Blood?” del nuevo “Sensory Overdrive” seguida de otra canción del mismo disco. Pero lo mejor fue cuando encadenó dos temas del glorioso disco de Demolition 23 con dos clásicos de Hanoi Rocks y el tema estrella de su nuevo “Sensory Overdrive”, a saber: “Hammersmith Palais”, “Motorvatin’”, “’78″, “Nothing’s Allright” y “Back To Mistery City”.

Y para el fin de fiesta uno de sus grandes clásicos en solitario, “Dead, Jail or Rock & Roll”.

Después de Michael Monroe salieron Skin. Me quedé a verlos sólo un par de canciones, sonaban bastante bien, pero un hard rock muy típico, sin aportar nada relevante.

Me acerqué al escenario Prog. a ver qué se cocía por ahí y me encontré con que estaban tocando Amplifier.

No los conocía más que de ver el símbolo que llevan por detrás, y sabía que a algunos conocidos les gustan bastante así que me quedé a verlos. Muy sobrios, suenan muy compactos y con buen empaque, pero tal vez les sobra algo de esa sobriedad, soltarse un poco más. Pero bueno, siendo el escenario Progresivo, no es de extrañar.

Tras Amplifier volví al escenario principal donde estaban tocando otro grupo que desconocía, Rival Sons, y que me causaron una grata impresión.

Hacen un blues rock de aires sesenteros muy aprovechable. Especialmente me pareció destacable el vocalista, con un gran chorro de voz, y un estilo vocal que me transportó al año 1969.

Creo que llegado a este punto me fui a comer y perdí a Queensryche en el escenario principal. Cuando regresé estaban a punto de salir Thin Lizzy.

Lo cierto es que los actuales Thin Lizzy son más bien un grupo tributo, donde sólo queda Scott Gorham de la gente que compartió el grupo con Phil Lynott, pero también es cierto que tocan las canciones con respeto y pasión y ofrecen un espectáculo más que digno. Sumadle que tienen un repertorio de lujo y que jugaban en casa, y tendreis un gran concierto.

Michael Monroe salió a tocar el saxofón en un tema.

El nuevo vocalista tiene un registro similar a Phil Lynnot, Marko Mendoza y Richard Fortus cumplen más que sobradamente y Scott Gorham es el encargado de darle un poquitín de credibilidad y nostalgia al asunto. La gente disfrutó mucho, me impresionó un poco ver cómo todo el mundo ahí cantaba emocionada canciones como “Whiskey in the Jar”, “The Boys are Back in Town” o “The Cowboy Song”. Se nota que el repertorio de esta gente es parte de la cultura rockera del Reino Unido.

Tras Thin Lizzy, llegó el turno de Slash.

Antes de tomarse un descanso indefinido, los Black Crowes se acercaron a Europa para dar una serie de conciertos a modo de “hasta la vista” a las audiencias europeas. Dentro de esta “mini-gira”, dos ciudades fueron agraciadas con la opción de ver dos conciertos consecutivos de los Black Crowes ofreciendo un set doble -Acústico y Eléctrico- en cada una de las respectivas noches, Londres y Amsterdam.

Desde el momento en que me enteré de que los conciertos de Londres tendrían lugar durante mi estancia en la capital británica, cierto nerviosismo se apoderó de mí. En primer lugar para conseguir las entradas, estaba convencido de que se agotarían muy rápido -como así fue-, así que el día que se ponían a la venta, allí me planté a primera hora de la mañana delante del ordenador, con la tarjeta de crédito en una mano y actualizando la página cada minutos hasta que estuvieron disponibles. Ya con las entradas en la mano, sólo me quedaba una larga espera de varios meses hasta las fechas señaladas.

El 12 de Julio de 2011 a las 20:00 era el día D y la hora H, nos plantamos allí corriendo desde el trabajo para llegar a la apertura de puertas y no sufrir agobios más tarde.
Puntuales como todo en Inglaterra, a las 20:00 se apagaron las luces del teatro (Sheperd’s Bush Empire) y la música ambiental (clásicos del blues y del rock and roll) y salieron los Black Crowes a escena.

Desde el momento en que pisaron el escenario quedó claro qué tipo de banda y de concierto íbamos a ver. Salieron andando tranquilamente, con total naturalidad, saludando a la audiencia -se los veía contentos, me llamó la atención especialmente la gran sonrisa que lucía Chris Robinson por debajo de su enorme barba- se dirigieron cada uno a su puesto, cogieron su instrumento respectivo y se pusieron a tocar. Simple y llanamente, sin aspamientos ni parafernalia.

Empezaron con el set acústico (lo harían así las dos noches), y la canción elegida para empezar fue el que tal vez sea su mayor éxito, “Remedy”. Sin las coristas habituales en sus shows, fueron el bajista Sven Pipien y el guitarrista Luther Dickinson los encargados de hacer los coros, y lo cierto es que con un gran resultado.

Casi sin descanso siguieron con “Hotel Illness” también de “The Southern Harmony & Musical Companion” y “Whoa Mule” del “Warpaint”.

En uno de sus pocas conversaciones con la audiencia, Chris presentó la siguiente canción como la más optimista que habían escrito en su carrera, añadiendo que a veces el optimismo es todo lo que tenemos, especialemente si eres de los Estados Unidos. La canción en cuestión es “Welcome to the Goodtimes”, la única que rescataron del “By Your Side” en las dos noches.

Siguieron con una versión de Bob Dylan, “Tonight I’ll Be STaying Here With You”, y “What is Home”, un tema de su lanzamiento discográfico más reciente -”Before the Frost… Until the Freezee”-. Lo siguiente fueron las primeras canciones del “Amorica” -mi preferido de su discografía, el disco con el que los descubrí en mi pre-adolescencia- en caer esa noche, “Ballad In Urgency” seguida de “Wiser Time”, al igual que en el disco, en lo que fue uno de los momentos más emocionantes y emotivos de la velada.

Y para no bajar el nivel de emotividad, la preciosa balada del debut “Shake Your Money Maker”, “She Talks To Angels” y la excelente “My Morning Song” del “Southern Harmony & Musical Companion” fueron las encargadas de poner punto y aparte para acabar el set acústico, que duró hora y cuarto, y tomarse un respiro de quince minutos antes del set eléctrico.

De regreso al escenario del Sheperd’s Bush Empire, comenzaron con una canción que nunca ha visto la luz en ningún disco titulada “Exit”, y a continuación regresaron a uno de sus primeros éxitos, “Jealous Again” antes de visitar “Oh Sweet nothing”, una versión de la Velvet Underground.

La siguiente fue una de mis preferidas de siempre, “Thorn in my pride”, en la que aprovecharon para intercalar una excelente jam con solos de guitarra de Luther y de batería de Steve Gorman, para luego volver al tema y acabarlo de forma magistral. “Oh Josephine” de “Warpaint” sería la siguiente y, a continuación su famosa versión del “Hard to Handle”, en la que hay que decir que fue el único momento de las dos noches en el que Chris Robinson no estuvo brillante, pero sí aceptable.

La preciosa y buen rollista “Soul Singin” del “Lions” y “Goodbye Daughters of the Revolution” del “Warpaint” fueron las encargadas de cerrar el set eléctrico de la primera noche.

Tras abandonar el escenario por unos breves instantes, regresaron los Black Crowes a escena y obsequiaron a los presentes con un último tema a modo de bis, en este caso “Boomer’s Story”, una versión de Ry Cooder.

12 July 2011 @ London, England

- Acoustic Set -
REMEDY
HOTEL ILLNESS
WHOA MULE
WELCOME TO THE GOODTIMES
TONIGHT I’ll BE STAYING HERE WITH YOU (Bob Dylan cover)
WHAT IS HOME
BALLAD IN URGENCY ->
WISER TIME
SHE TALKS TO ANGELS
MY MORNING SONG

-Electric Set -
EXIT
JEALOUS AGAIN
OH SWEET NUTHIN’ (The Velvet Underground cover)
THORN IN MY PRIDE
OH JOSEPHINE
HARD TO HANDLE  (Otis Redding cover)
SOUL SINGING
GOODBYE DAUGHTERS OF THE REVOLUTION
- encore -
BOOMER’S STORY (Ry Cooder cover)

Al día siguiente, 13 de Julio, tuve la suerte de repetir en el segundo -y último- concierto consecutivo de los Black Crowes en Londres. Las expectativas después de la primera noche eran altas, y tenía muchas ganas de ver si, previsiblemente, cambiaban el set-list y nos ofrecían cosas diferentes. Tenía especialmente ganas de oir “High Head Blues”, y al mismo tiempo quería que repitiesen algunas de mis grandes favoritas y que habían sido los momentos más emotivos de la primera noche como “Thorn in my pride” y especialmente “Wiser Time”. No me defraudaron, más bien todo lo contrario, pero vayamos por partes.

Salieron al escenario con la misma naturalidad de la noche anterior y empezaron de nuevo con el set acústico. El tema encargado de abrir fuego fue “Cold Boy Smile”, canción originaria del proyecto paralelo de Chris y Rich Robinson “Brothers of a Feather”, y que también aparece en el último lanzamiento discográfico de los Crowes, el recopilatorio acústico “Croweology”. La segunda fue “Soul Singing”, una de las pocas que repitieron las dos noches pero, a diferencia de la noche anterior, esta vez en versión acústica.

Las deliciosas “Sister Luck” del álbum debut fue la tercera, y la cuarta fue otra que repetían “condeciéndome una de mis peticiones”, pero también cambiándola del set eléctrico al acústico,  “Thorn in My Pride”. En esta ocasión sin solo de batería, pero igualmente maravillosa interpretación. Es un enorme placer tener la ocasión de escuchar dos magníficas versiones diferentes de una de tus canciones preferidas dos noches seguidas, y aún hubo más de esto esa noche.

Y si es maravilloso que toquen dos versiones diferentes de una canción propia como “Thorn in My Pride”, no lo es menos que te sorprendan con otra fenomenal, pero esta vez completamente inesperada, versión de una de las canciones de uno de los discos definitivos de la historia. Se trató de “No Expectations”, del “Beggars Banquet” de The Rolling Stones. Una grandísima y gratísima sorpresa.

Y regresaron a los temas propios con otra que me cogió por sorpresa, tal vez su canción más “callejera” o más “Oldie”, “Downtown Money Waster”, con todo su aire western. Siguieron con una de sus composiciones más recientes, “Garden Gate”, y otra versión, “Lost My Drivin’ Wheel” de Tom Rush.

“Jelaous Again”, la última de las que repitieron cambiandola de set al acústico, fue la última de la primera mitad de la segunda noche, que a esas alturas ya estaba siendo más intensa, larga y emocionante que la primera.

Tras otro pequeño descanso entre sets, regresaron para dar el arreón final, y lo hicieron pletóricos, a lo grande, con una magnífica versión del “Feelin’ Alright” que popularizó Joe Cocker hace ya mucho.

Como contraste de la “antigua” “Feelin’ Alright”, una de sus más nuevas composiciones, “Good Morning Captain”, que es también uno de los temas más destacados del “Before The Frost… Until the Freeze” fue la segunda del set eléctrico. Y si me permitís el juego de palabras, en mitad de la antigua y la nueva podemos situar a la tercera del set eléctrico “(Only) Halfway to Everywhere”, la única que tocaron del “Three Snakes & One Charm” entre las dos noches.

Y lo que siguió fue el apoteosis, dos de las canciones más emocionantes que se hayan escrito, las dos sacadas del “Amórica”, “Descending” y “Wiser Time”, interpretadas con una emotividad y feeling sublimes; tanto, que sonsiguieron hacerme un nudo en la garganta que no pude quitarme ya casi hasta el final de la noche. Por suerte, pese a haber tocado “Wiser Time” la noche anterior no se olvidaron de ella para el día 13, y además en esta ocasión, en versión eléctrica, que no sé si por ser así, por motivos puramente de sugestión personal o porque el grupo parecía incluso un punto por encima esa noche, o incluso porque la primera noche aún pensaba que me quedaba otra ocasión para oírsela y en este caso ya estabamos en la recta final de la doble velada; pero lo cierto es que me supo aún más a gloria, si eso es posible, que la interpretación de la noche anterior. Y bueno, no me olvido de “Descending” que fue justo antes y también es una de esas canciones con las que consiguen hacer aflorar todo tipo de sentimientos y que también fue interpretada de una forma magistral.

A continuación siguieron con un par de versiones que, por lo que he leído, estaban siendo habituales en los conciertos previos a Londres, el medley “Poor Elijah / Tribute to Johnson”. Volvieron al material propio con “Appaloosa”, una bonita canción del “Before The Frost…” y para acabar de volarme la cabeza, la última de mis “peticiones”, la canción con la que los descubrí allá por 1994, aún recuerdo cuando veía el vídeoclip en mi pequeña televisión de 14′ y flipaba con ese grupo: “High Head Blues”. No sólo consiguieron anudar más fuerte el nudo de mi garganta, y que la piel se me pusiese tan de gallina que debía parecer un personaje sacado de la película “Hellraiser”, aún no habían acabado el tema y me tenían dando cargajadas de felicidad, y al inglés a mi lado bailando y gritando a todo pulmón de igual felicidad, la nos estaban haciendo compartir a todos los presentes.

Y para acabar de hacernos felicies, dos de sus primeros éxitos, “Seeing Things” de su debut, en la que recuerdo que Chris me impresionó por su poderío vocal, y de nuevo “Remedy”, la segunda canción que pasaban al set eléctrico, y que sirvió tanto para abrir el primer set de la primera noche como para cerrar el segundo set de la segunda noche. No obstante es su mayor éxito y su canción emblema, por decirlo de algún modo, y si es que de una banda que es capaz de dar el equivalente a 4 conciertos en dos noches, con cuatro setlists tan diferentes, tocando versiones de los más dispar y dejándose igualmente muchas grandísimas canciones propias en el tintero (y que seguro que habían tocado en días previos o tocarán en días futuros), puede decirse que tengan un tema emblema.

Dos sets de hora y cuarto cada uno la noche de 12 de Julio. Dos sets de hora y veinticinco la noche del 13 de Julio. Dos noches de rock and roll que pasarán a la historia, al menos de los que estuvimos presentes. Pudimos ver a un grupo en estado de gracia, tocando como los ángeles, repasando la historia no sólo de su carrera, sino de lo mejor del rock tradicional, derrochando simpatía y buen rollo, dejando que la música hablase por sí sola. Uno tenía la sensación de estar viendo a una banda clásica, de las que pasará a la historia de la música, ofreciendo todo lo mejor de sí mismos. Desde luego que me sentía afortunado y feliz de haber podido asistir a semejante evento. Y aún quedaba el bis para despedirnos de los Black Crowes hasta que los hermanos Robinson decidan reactivarlos.

Y bueno, nos preparábamos para la última canción, salía el grupo de nuevo a escena, hablando entre ellos, saludando al público, y con ellos iba un hombre mayor, vestido completamente de negro, bronceado, con el pelo blanco y una pequeña coleta… ¿quien será que no le veo la cara? y de pronto se da media vuelta y la gente se volvió loca, creo que el espacio ocupado por el público del Sheperd’s Bush Empire se redujo a una cuarta parte, completamente comprimidos, saltando, bailando y cantando, pero al mismo tiempo intentando sacar una imagen de prueba (que sirviese a modo de pellizco “no es un sueño”) de lo que estaba pasando en el escenario. Jimmy Page & The Black Crowes tocando el clásico de Elmore James “Shake Your Money Maker”, título que tomaron prestados los Crowes para su álbum debut, y que juntos -Page y los Crowes- habían interpretado hace algo más de diez años en una pequeña gira conjunta por los States y de la que salió el disco “Live At The Greek”.

Tener a Jimmy Page compartiendo el escenario con los Black Crowes en su último tema fue la guinda perfecta a un pastel de dos noches maravillosas. Y cierto es que una vez tienes la guinda, el pastel parece mucho más hermoso, pero lo que cuenta es el pastel, no la guinda, y realmente fue el pastel más sabroso que podríamos haber disfrutado. Y con guinda.

13 July 2011 @ London, England

- Acoustic Set -
COLD BOY SMILE
SOUL SINGING
SISTER LUCK
THORN IN MY PRIDE
NO EXPECTATIONS
(The Rolling Stones cover)
DOWNTOWN MONEY WASTER
GARDEN GATE
LOST MY DRIVIN’ WHEEL
(Tom Rush cover)
JEALOUS AGAIN
- Electric Set -
FEELIN’ ALRIGHT
(Joe Cocker cover)
GOOD MORNING CAPTAIN
(ONLY) HALFWAY TO EVERYWHERE
DESCENDING
WISER TIME
POOR ELIJAH / TRIBUTE TO JOHNSON
(Delaney and Bonnie cover)
APPALOOSA
HIGH HEAD BLUES
SEEING THINGS
REMEDY
Encore:
SHAKE YOUR MONEY MAKER
(Elmore James cover, with Jimmy Page)

El 25 de Junio Cinderella ofrecían en Londres el último concierto de su gira europea, celebrando su 25 aniversario  como banda (desde la publicación de “Night Songs”, su primer disco).

Después de haberlos visto ya el año pasado, no esperaba grandes novedades (y lo cierto es que no las hubo, apenas unos pocos cambios en el set-list), pero tras pasarnos una vida esperando que se decidiesen a cruzar el charco, no era como para dejar escapar la ocasión de disfrutar de una gran noche de rock and roll de la vieja escuela, sucio, gitano y pantanoso.

El concierto comenzó con dos temas de, precisamente, su primer disco “Night Songs”, la potente “Once Around the Ride” seguida de la marchosa “Shake Me”, uno de sus singles de más éxito. Siguió un momento más pausado con la preciosa “Heartbreak Station”, canción que titulaba también a su maravilloso tercer disco de estudio.

Tras el momento de calma volvía la tempestad con otro marchoso, duro y afilado tema del disco debut, era el turno de “Somebody Save Me”, que enlazaron precisametne con la canción que tituló y abría aquel, ya lejano en el tiempo, debut, la oscura “Night Songs”. Y para cerrar la segunda tanda “dura” de la noche, la segunda rescatada del “Heartbreak Station”, la híper-marchosa y festiva “The More Things Change”, capaz de convertir en una loca fiesta hasta la noche más oscura.

Y llegó el turno de ponerse un poco más melancólicos, y de rescatar las primeras canciones del segundo disco de estudio “Long Cold Winter”. Encargándose de ello la semiacústica y preciosa “Comin’ Home”, seguida de la más cañera “Second Wind”. Y para finalizar el set, tres súperclásicos, tres grandes favoritos. En primer lugar la hermosa y lacrimógena balada del “Long Cold Winter”, “Don’t Know What you Got (Til Is gone)”, seguida, sin cambiar el tono, del medio tiempo épico del primer disco “Nobody’s Fool” y para despedirse con aires de fiesta, el gran hit-single festivo, la road-movie por excelencia del rock & roll, declaración de intenciones, diario vital de toda banda en la carretera, “Gypsy Road”.

Pero aún quedaba tiempo para un bis. La banda regresó a escena para interpretar el tema título de su segundo álbum, el intenso blues eléctrico de “Long Cold Winter”, y para finalizar la fiesta, una canción de esas redondas, perfectas, que te dejan cantando y sonriente, “Shelter Me”, con solo de Saxofón de Tom Keifer incluído.

Un concierto corto (unos 75 minutos), pero intenso, con la banda sonando estupendamente, la voz de Keifer en buen estado (aunque probablemente no esté para dar conciertos más largos) y con el propio vocalista-guitarrista y front-man, dando una sensación de estar mejor físicamente que el año pasado. Un placer poder disfrutar de otro conciertod de Cinderella sólo un año después de su primera visita a Europa. Ojalá sigan visitándonos en el futuro.

Para esta noche había anunciado un concierto de Ozzy en el Hammersmith Apollo (nuevamente). Los anuncios del show decían algo así: “Ozzy ayuda a Kerrang! a celebrar su 30 aniversario. La revista Kerrang! está de treinta aniversario este año y, para celebrarlo con estilo, ha anunciado que el “Príncipe de las tinieblas” en persona, Ozzy Osbourne, será galardonado con el premio “Leyenda Kerrang!” en los Kerrang Awards de este año.”

Por eso pensé que igual habría alguna entrega del premio en cuestión, o que tal vez saliese algún trabajador de Kerrang! a presentar a Ozzy antes del Show. Nada de eso, tan sólo un concierto normal. Si es que alguna vez pudo decirse que un concierto de Ozzy fuese “normal”.

Los teloneros fueron una joven banda llamada Revoker. Tocan un metal moderno, incluso con algún deje stoner, diría yo, y me sorprendieron gratamente. Muy enérgicos y potentes, adecuados para que el personal entrase en calor.

Tras la media hora de espera de rigor, amenizada con clásicos de AC/DC,  mientras los roadies acababan de ponerlo todo a punto en escena (con manguerazo de espuma que llegó justo hasta la gente que tenía justo delante, para probar que, efectivamente la manguera de espuma funcionaba), a las 8:30 daba comienzo el Show.

Sale Ozzy en medio de una ovación, “I Can’t Fucking Hear You!”, anima a que gritemos más y más, y empieza fuerte, con un puñado de clásicos de sus comienzos en solitario: “I Don’t Know”, “Suicide Solution”, “Mr. Crowley” y “Goodbye to Romance”. Un comienzo apabullante, la carrera de Ozzy está plagada de clásicos absolutos, y ese disco de debut es una absoluta maravilla, el concierto no podría tener un incio mejor. Ozzy, a pesar de sus evidentes problemas de movilidad, no para de animarnos a dar palmas (y yo juraría que él siempre va desacompasado ), a gritar más y más “I Can’t Fucking hear You!”, a volvernos locos y a mover los brazos a un lado y otro durante los temas lentos. Pese a sus limitaciones, sabe cómo mantener a una audiencia metida en un concierto y rebosante de felicidad rockeril.

Sigue con el primer clásico de Black Sabbath que rescata para la ocasión: “War Pigs”, en la que nos hace corear aquello de “Whooo, uo, o-o-o, wooo-o-o-o whooo-o-o-o”… bueno, ya sabeis cómo va eso XD. Incluso nos deleita con su famoso “salto de la rana”, no es que esté precisamente ágil, pero tampoco es que lo haya sido nunca, así que tampoco hay tanta diferencia entre la ejecución de esta noche y las que hacía hace más de 30 años.

A continuación rescata dos  de los clásicos que grabó con Jake E. Lee, “Bark at the Moon”, del disco con igual nombre, y “Shot in the Dark” del segundo disco con Jake, “The Ultimate Sin”, con la balada del “No More Tears” “Road to Nowhere” intercalada entre ambas, para finalizar este segmento del show.

Llega la hora de los solos. El nuevo guitarrista, Gus G, es un músico excelente, como todos los que han pasado por el grupo de Ozzy, tal vez algo falto del carisma de alguien como Zakk Wylde, pero un excelente guitarrista de todas formas, y hace buena demostración de ello con un solo técnico, veloz y elegante, que da paso al segundo tema de Black Sabbath de la noche, “Rat Salad”, que a su vez da paso al solo de batería de Tommy Cufletos. Un solo entretenido, que fluye naturalmente desde la canción hasta regresar a ella, y con la duración justa para mantener a la gente interesada.

Regresa Ozzy a escena repartiendo agua a las primeras filas (lo que será una constante hasta el final del show, bien sea a maguerazos, a cubazos -incluso después de meter su cabeza dentro-, o a botellazos), aunque finalmente el que acaba más empapado es el propio Príncipe de la Tinieblas, que tal vez quiera también quitarle el título a Neptuno y convertirse en rey de las aguas. Pero ni tinieblas, ni aguas, Ozzy nos confiesa que lo que es en realidad, es un hombre de hierro, “Iron Man”, otro clásico Sabbathiano, es la siguiente del setlist.

El penúltimo tema de Black Sabbath de la velada sería “Fairies Wear Boots”, con su atmósfera densa y todo su groove.

Tras presentar a su banda, y recordando a muchos de los excelentes guitarristas con los que ha tocado: “Toni Iommi, Randy Rhoads, Jack E. Lee y Zakk Wylde” antes de presentarnos al siguiente de la lista: Gus G.

Y nos pide que gritemos a todo pulmón, y nos confiesa que no pretende cambiar el mundo, ni tampoco que lo cambien a él. “I don’t Wanna Change the World”, tras la cual lo que nos pide es que nos volvamos completamente locos, salvajes y locos, y que le acompañemos en su loco viaje en el “Crazy Train”. Después de que no sonase en aquel Monsters of Rock de Zaragoza, me pude quitar la espina de ver a Ozzy cantando uno de sus mayores clásicos.

El concierto está tocando a su fin, la banda desaparece del escenario, y mientras gritamos “Ozzy, Ozzy” y luego “One More Song, One More Song” (versión británica del “Otra, otra”), aparece Ozzy al lado de los monitores, semiescondido y agachado, con la mano tras la oreja para comprobar si queremos más o no. Pero parece que no le queda muy claro, intenta adivinar nuestros deseos pero no es capaz, “I Can’t Fucking Hear You!”.

Así que tenemos que dejarnos los pulmones para que nuestros deseos le lleguen a las orejas. Por fin le queda claro y nos dedica “Mama I’m Coming Home” y para finalizar, una de las canciones más famosas de todos los tiempos, un tema de esos que por sí solos definen un estilo musical, una era, una forma de ver la vida, un estado mental: “Paranoid”.

Y la estupenda velada llega a su fin. El bueno de Ozzy le cuesta caminar, pero lo que no parece costarle nada es dar un concierto de rock and roll de alto voltaje. Su voz está como siempre, tiene una banda muy profesional, todos excelentes músicos -a destacar tambien al bajista Blasko, que pone el carisma que le falta a Gus G- , el sonido fue excelente, y tocaron durante 1 hora y 40 minutos, dando ejemplo a bandas más jóvenes que apenas tocan poco más de una hora. Ya no se hacen tipos como él.

Hoy tocaban David Coverdale y sus camaradas en el teatro Apollo de Londres y, evidentemente, no me podía perder esta cita.

Los teloneros fueron The Union, un grupo que, al parecer, cuenta con varios integrantes de Thunde en sus filas y hacen un hard rock clásico muy oportuno para una ocasión como esta. Tal vez no sean un grupo brillante, pero sí que muy solventes y perfectos para telonear a un clásico como Whitesnake. Gran trabajo en las guitarras y un batería con mucha pegada, es lo más destacable de The Union.

A las 9 O’Clock se apagan las luces y, mientras suena el clásico de los Who “My Generation”, la banda ocupa su lugar en el escenario. Comienzan el show tocando un tema del penúltimo disco en estudio de la serpiente blanca: “The Best Years”. Aunque es cierto que los temas nuevos comen minutaje para los clásicos, en este caso creo que es de agradecer que no sólo den cancha al trabajo que están presentando, y que mantengan en el set al menos una canción de su disco anterior. “Good to be Bad” era un muy buen disco y es una sorpresa agradable que tras la gira correspondiente no se hayan olvidado por completo de aquellas canciones.

Pero David Coverdale sabe perfectamente cuales son sus ases y en seguida nos ofrece uno de los grandes: “Gimme All Your Love”. La tercera es una sorpresa agradabilísima, otro temazo de esos con los que Coverdale podía tocarte la fibra como nadie más era capaz, “Love is no Stranger”; y sin tiempo ni para respirar, la balada por antonomasia “Is This Love” cierra el primer set de clásicos. He de decir que como todo el mundo sabe, la voz de Coverdale ya no está al nivel que tenía hace 20 años, lo que es completamente normal, está un poco más “cascada” y se nota especialmente en los agudos, pero el que tuvo retuvo, y aún es capaz de cantar todas estas canciones magistralmente y sigue siendo uno de los frontman definitivos. Le queda voz para él y cuatro más y se mete a la audiencia en el bolsillo con sus clásicas posturas y juegos con el micro, y con sus comentarios jocosos entre canciones.

“Algunos de vosotros lo sabreis, otros puede que no, pero tenemos un nuevo disco” y durante los siguientes minutos atacan varias canciones del mismo (disco llamado “Forevermore”, para quien no lo sepa). La primera en caer es “Steal Your Heart Away”. A continuación, David nos dice que ha compartido con nosotros un largo viaje de más de treinta años (y que ojalá que sean otros veinte más) y que, mientras estaban haciendo este nuevo disco, muchas de las letras que le fueron saliendo eran de amor, por nosotros, por haber compartido este viaje con él. Y con esas bonitas palabras y Doug Aldrich a la acústica, dio paso al tema título del nuevo disco “Forevermore”. Aquí debo decir que es un canción realmente buena, con su toque épico, mezclando lo acústico con lo eléctrico, en la onda de cosas como “Sailing Ships” de aquel ya lejano “Slip of the Tongue”.

Antes de presentar la siguiente, David le dedica unas palabras a algunas señoritas en los balcones del público, habla de las chicas de sus audiencias y así da paso a “Love Will Set You Free”.

En este punto llega el momento de los guitarristas, Doug Aldrich y Reb Beach. Sin el resto de la banda, se alternan el lugar en el escenario para ir intercalando un solo tras otro (primero Doug, luego Reb, luego Doug, luego otra vez Reb…) para acabar finalmente con un duelo de blues. Con el resto de la banda de vuelta, Coverdale anuncia que Doug Aldrich va a tocar “el instrumento del diablo, la Slide Guitar” y así, al ritmo de la slide comienza la última de las canciones del “Forevermore” que tocan esta noche “My Evil Ways”. Durante este tema, como era de prever tras escuchar la intro de batería de la versión de estudio, cae el solo de batería de rigor. Es cierto que se hace un poco largo, sobre todo teniendo en cuenta los larguísimos solos de guitarra que nos acaban de ofrecer pocos minutos antes, pero también es cierto que el nuevo batería hace un grandísimo trabajo durante el mismo en el que no escatima ningún recurso a su alcance: desde todo tipo de juegos y malabarismos con las baquetas, hasta el clásico número de tocar con las manos, sin faltar la lata de cerveza para rematar. Además de que le pega como un animal, duro, rápido, con gran variedad de ritmos… un muy buen solo desde todos los aspectos, pero que como todos los solos, tanto de guitarra (exceptuemos “Eruption”) como de batería (“Exceptuemos el de “100.000 years”) no dejan de interrumpir el desarrollo del show de una forma más dinámica, especialmente cuando van tan seguidos.

Tras el solo, finalizan “My Evil Ways” y retomamos los clásicos para rematar la faena.

Reb y Doug cambian a las guitarras acústicas y les imitan el bajista y el batería, que abandonan así sus instrumentos habituales para unirse al set acústico y acompañar a David, que invita a cantar “Farethewell” con ellos a quien se la sepa, mientras un roadie semiescondido tras la batería marca el ritmo con una pandereta y anima a la audiencia a dar palmas. A continuación, ya cada cual con su instrumento habitual, la absolutamente mágica “Ain’t no Love in the Heart of the City”. Escuchas a Coverdale aullar “Here’s a Song For Ya” y antes de escuchar ningún acorde ya sabes lo que toca: “Fool for your Loving”, en su versión a lo “Slip of the Tongue”.

Y antes de acabar un momento emotivo, el teclista de la banda comienza a tocar algo muy familiar, pero Coverdale le para. Nos cuenta que para él tocar en el Apollo siempre fue un sueño, y que sigue siéndolo, y quiere anunciarnos que esta noche está entre nosotros “un hermano” que ha compartido mucho con él, con el que compartió el sueño de tocar en el Apollo,  y que se va a unir para tocar el siguiente tema: Bernie Marsden. La ovación cuando aparece el bueno de Bernie es de lujo. Y con el entrañable Bernie en escena, ahora sí, aquí vamos, “Here I Go Again”. Se despiden en medio de una gran ovación, especialmente dirigida a Bernie, y dejan el escenario vació apenas unas decenas de segundos.

El bis no se hace esperar, y David mira hacia el lateral del escenario y le hace gestos a Bernie para que vuelva y acabe el show con el resto de la banda. Y así interpretan una de las mejores canciones de la historia del Hard-Rock, el Heavy-Metal, el Blues-Rock o como quieran llamarlo, “Still of the Night”. Con Reb Beach, Doug Aldrich y Bernie Marsden repartiéndose los solos y licks a lo largo del tema y con una grand finale, en el que Bernie ocupa el frente del escenario y hace un pequeño solo, amaga con irse de allí tímidamente y David se acerca y le anima a que siga con su solo, mientras la gente le aplaude extasiada y con tremendo cariño.

Cuando finalizan el tema, Coverdale pide que le dejen solo, recibe el impacto directo del único cañón de luz que permanece encendido, y así, “a capella” completamente sólo, cierra el concierto como un buen “Soldier of Fortune”.

Regresan todos al escenario para despedir a la audiencia abrazados, y finalmente se quedan David y Bernie al frente, recibiendo la mayor de las ovaciones de una magnífica noche de rock and roll.

“Be safe, be happy, and don’t let anybody make you afraid”.

Aprovechando la temporada de festivales veraniegos, Buckcherry están de gira europea y esta tarde tocaban en el club Electric Ballroom de Londres.

La velada la iniciaba un grupo de punk rock con aires hardcoretas llamados G.U. Medicine. No sonaron mal, pero tampoco me volvieron loco.

Siguieron Slaves to Gravity, un grupo de rock modernillo. Nunca entenderé la moda de tocar “entrecortado” que siguen la práctica totalidad de bandas del nuevo milenio. Las canciones, precisamente pro ser de ese estilo tan marcado me resultaron un poco mediocres. El cantante reclamaba una colleja a gritos, el típico modernillo que se comporta sobre el escenario como si tuviera un ataque de epilepsia, bastante poser. La parte positiva era la sólida base rítmica (aunque un tanto monótonos) y el guitarra solista que en cierta medida me recordaba al sonido soundgarden.

Pero lo que había ido a ver era a Buckcherry, una de las últimas bandas de rock sucio y guarrote realmente buenas que han salido en los últimos años. Los californianos saltaron a escena tocando temas de sus tres últimos discos, “Out of Line”, “Rescue Me”, “All Night Long”, “Everything”, ”Dead” y “Oh My Lord” en lo que fue la primera parte del concierto. Todo estaba bien, el sonido, el grupo cumpliendo… pero era eso, daba la sensación de que estaban cumpliendo, más que ofreciendo un concierto realmente matador.

Debo decir que ésta era la segunda vez que los veía (la primera en el Kobetasonic de 2009) y me quedó la misma impresión en las dos ocasiones: les cuesta entrar en calor. Tanto en aquel Kobeta del 2009 como esta noche, la banda empezó un tanto fría. Tocan esas primeras canciones correctamente, suenan bien, pero la sensación es de cierta frialdad, como que no salen a darlo todo, que están reservando energías.

Pero de pronto llega un tema en el que se desmelenan y se convierten en un ciclón imparable. En este caso esa transformación sucedió durante uno de los singles del disco que venían a presentar: “It’s a Party”. Fue dicho y hecho, así como Josh Todd pronunció las palabras mágicas, la banda, él mismo y por contagio la audiencia, se transformaron en una versión mucho más loca, agresiva, salvaje y desinhibida de sí mismos y eso pasó de ser un buen concierto sin más a ser una auténtica fiesta de rock and roll. Y una vez en caliente, que no pare la cosa, atacaron una de las mejores canciones de “15”, probablemente su disco más exitoso, “Next To You” y, sin tiempo para respirar, su primer single y gran éxito, “Lit Up”, en el que Keith Nelson se destapó con un gran slide. Además, aprovechando la parte intermedia de la canción, Josh nos contó una bonita historia acerca de “Lit Up”. La canción trata de la primera vez que probó cocaína, una divertida noche de viernes en el sur de california. Nos contó que aquella noche fue una noche de esas especiales porque descubrió algo realmente importante: tras tomar cocaína podía beber más.

Y aprovechando que estaban en racha cayeron varias canciones antiguas más, en concreto “Slammin’” del gran disco y fracaso comercial “Time Bomb”, y otra del primero “Dirty Mind”. Es de agradecer que estén recuperando temas de estos dos discos antiguos, ya que son de lo mejor que han hecho, y los tenían un poco olvidados desde que renacieron en su segunda formación. Una animada canción del nuevo llamada “Recovery”, y otro gran momento con la balada “Sorry”, otra de las canciones que más éxito les han reportado. Y para concluir, Josh veía a gente sexy por todas partes, se acordó de que incluso los congresistas de USA twitean fotos de sus pollas, y tras darse cuenta de que el mundo no lo mueve la pasta sino el follar, se lanzaron de cabeza a por una “Crazy Bitch”. Y tras una buena sesión de folleteo funki-rocandrrolero, abandonaron el escenario unos instantes.

Cuando regresaron para el bis, se lanzaron a por otras dos canciones de su maravilloso álbum de debut, en primer lugar “Borderline” y para finalizar, Josh nos consultó qué queríamos oír, y decidió que tocaba “Crushed”.

Hora y cuarto de concierto, los primeros 20 o 30 minutos un poco más fríos, pero desde que entraron en calor, una gran fiesta de rock and roll sucio, guarrote y salvaje como a todos nos gusta y sólo unos pocos pueden ofrecernos.

The Darkness están de vuelta tras un período de separación que podría definirse como una de sus canciones “One Way Ticket To Hell… and Back”.

Durante su estancia en el infierno Justin supuestamente estuvo tratando sus problemas con los povitos blancos y tuvo tiempo de juntar otro grupo llamado “Hot Leg” y editar un único disco “Red Light Fever”, que apenas tuvo repercusión. Menos repercusión todavía tuvieron sus ex-compañeros de banda con su grupo Stone Gods (que formaron el hermanísimo Dan Hawkins, el batería de The Darkness ed Graham y el segundo bajista que pasó por la banda). Frankie Poulain, el carismático bajista original había dejado el grupo antes de la grabación del segundo disco, pero por suerte ha vuelto al grupo y The Darkness están grabando su tercer disco con la formación original.

Mientras tanto, les surgió la ocasión de tocar en el Download Festival, que se celebra el próximo fin de semana en el circuíto de Donington Park y como bien dicen en su web-site “Obviamente, nadie es tan tonto como para dar su primer concierto en cinco años delante de 80.000 personas”. Lo que significa que han dado 3 conciertos de calentamiento para llegar con algo de rodaje a la gran cita. El tercero, esta misma noche (para mí, el escritor de esta entrada) en el Sheperd’s Bush Empire de Londres.

“Confeti durante “Love is Only a Feeling”.

Antes de los Darkness, tuvo la oportunidad de tocar un grupo llamado Max Raptor (si no me equivoco), nada interesante, una especie de Punk pijo que a mí no me llama mucho la atención. Tuvieron una canción con algo de gracia y poco más.

Con puntualidad británica, a las 9 y 15 salieron The Darkness tocando la instrumental “Bareback” seguida de “Black Shuck”.

El repertorio se basó principalmente en los temas del disco debut “Permission To Land”, y el primer Mega-Hit no se hizo esperar mucho. “Growing on Me”, canción perfecta donde las haya, fue la tercera de la noche.

Si la memoria no me engaña, las siguientes fueron “Get Your Hands off My Woman”, en la que Justin probó nuestros falsetes y “One Way Ticket To Hell”, en la que me gustó el nuevo solo de guitarra, sustituyendo al flojo solo de la versión del disco.

Aprovecharon la ocasión para presentar algunas canciones nuevas, la verdad es que la primera impresión fue buena, suenan rockeras y potentesy por supuesto, con toneladas de falsetes por todas partes. Creo que la primera que tocaron se llama “Nothing Gonna Stop Us Now” o algo así.

Después de la nueva, la power ballad “Love is Only a Feeling”, que inundó el teatro de confetti, hasta Justin miraba sorprendido dentro del cañón que disparaba los papelitos. Otra canción absolutamente perfecta y maravillosa “Is It Just Me?”, la segunda y última de su segundo disco que interpretaron esta noche, fue la siguiente, antes de otras dos canciones nuevas.

Los títulos de estas dos nuevas los desconozco, por ahí he visto que podrían llamarse “Concrete Jungle” una y “Cannonballs” la otra, pero parecen títulos provisionales. La primera muy rockera y la segunda con un interesante desarrollo instrumental.

Tampoco faltó el último single del “Permission to Land”, la divertida “Friday Night” y, antes del mega-éxito, “Giving Up”, con una introducción “A Capella” entre Justin y la audiencia (muy volcada, realmente fanática del grupo, todo el mundo cantando todas las canciones, dando palmas, saltando, incluso haciendo pogo y crow-surfing por momentos, es lo que tiene jugar en casa y en un recinto de dimensiones “humanas”) y también “Stuck in a Rut”. Y luego, eso, para finalizar, el mega-éxito: “I Believe in a Thing Called Love”, todo lo que diga será poco, os lo podeis imaginar.

Y tras el parón de rigor y la aclamación de rigor, realmente estruendosa, tembló el suelo del teatro, volvieron a escena para la épica “Love on the Rocks With No Ice”. Alargaron el tema hasta casi los 10 minutos, Justin se subió a hombros de un roadie -al más puro estilo Angus Young- que lo paseó entre nosotros (pasó a mi lado y ahí saqué la movida foto que veis justo encima) mientras atacaba el solo del tema. Mientras regresaba a escena, Frankie Poulain nos entretuvo haciendo dar palmas y abrir los brazos exactamente igual que en el clip de Queen “Radio Gaga”,Justin nos dió una clase de falsetes y nos animó a imitarlo (se intentó, creo que mañana me va a rascar un poco la garganta ) y mientras atacaban los últimos acordes, una nueva lluvia, esta vez de serpentinas, nos atacó desde el techo de la sala.

Una hora y cuarto justa de concierto, de 9:15 a 10:30 clavadas, supongo que intentando ajustar al tiempo del que disponen para el Download Festival, una banda en un estado de forma óptimo, con un gran repertorio, entregados y divertidos, con un puñado de grandes y excelentes canciones. Un concierto buenísimo, por momentos magnífico, de la última gran banda del rock británico.

Hay que confiar en estos tíos, hoy dieron 75 minutos de felicidad, y estoy seguro que aún tienen mucha más que repartir. Espero ansioso su tercer disco y una futura gira de presentación, no veo la hora de repetir.

El martes 3 de Agosto de 2010, Motörhead hicieron una escala en Vigo, la ciudad olívica, dentro de su tour “Here we are again”.

22:20 de la tarde, se apagaron las luces del caluroso pabellón, y dió comienzo el show con “Iron Fist”. Como ya nos temíamos los locales, que hemos asistido a unos cuantos conciertos en el mismo pabellón, aquello se convirtió en la cúpula del trueno, no está preparado para conciertos, menos aún a semejante nivel de decibelios, y la reverberación es un problema importante a la hora de disfrutar de la música. Aún así, la calidad del sonido se mantuvo al suficiente nivel para poder distinguir la voz y la música.

La banda no se mostró demasiado comunicativa, siendo el guitarrista Phil Campbell el encargado de dirigirse a la audiencia en la mayor parte de los casos, pidiéndonos que a la de 3 nos convirtiésemos en la audiencia más ruidosa del planeta… un truco que no está mal del todo, pero al que sacaron poco jugo. Se dieron por satisfechos en seguida y ya atacaron el siguiente tema. Que fue la tónica general, atacar los temas uno tras otro sin apenas descanso, sin contemplaciones.

Lemmy se limitó en principio a estar ya hacer gestos de asentimiento con los pulgares levantados señalando a la audiencia. Las pocas veces que el propio Kilmister se dirigió a nosotros, era bastante complicado entender lo que decía, y no sólo por nuestro nivel macarrónico de inglés, aunque algo se le entendió, sobre todo cuando presentó “Just ‘cos you cot the power” o a sus compañeros de banda, antes de tocar “Overkill”, ya en los bises.

Mención aparte para Mikkey Dee, el batería de Motörhead desde hace casi 20 años. El tío es una bestia parda, aporrea sin descanso, sostiene todas las canciones él solito, se calcó un solo de escándalo, clava todos los temas de una forma pasmosa. El auténtico motor en Motörhead es el rubio batería sueco.

En resumen, hora y media justa de rock and roll de acto octanaje y a muchas revoluciones, hubo tiempo para clásicos como “Stay Clean”, “Metropolis”, “No Class”, “Just ‘Cos You Got The Power”, “Going to Brazil” o “Killed By Death”, para temas de los discos más recientes, como “Be My Baby” de su disco de 2006 “Kiss of Death”,  y para presentar alguno de los temas de su más reciente esfuerzo de estudio “Motörizer” (2008) como “Rock Out” y “The Thousand Names of God”.  El set remató con “Born to Raise Hell” que aparecía como tema principal, además de en el álbum “Bastards”, en la banda sonora de la película “Cabezas Huecas”, consiguiendo que se reclamase su regreso a escena con el retumbar de miles de pies golpeando el suelo, cual ejército de caballería en desbandada. Regresaron, claro que sí, y sonó el himno de los motoristas de todo el planeta, “Ace of Spades” con el que volcaron el pabellón boca abajo, antes de despedirse con “Overkill”.

Iron Fist
Stay Clean
Be My Baby
Rock Out
Metropolis
Over The Top
One Night Stand
I Got Mine
The Thousand Names Of God
Cradle To The Grave
In The Name Of Tragedy
Just ‘Cos You Got The Power
Going To Brazil
Killed By Death
Born to Raise Hell

Ace Of Spades
Overkill

Los Toxic Twins llevaban 11 años sin pisar España y 3 sin acercarse a Europa, y como gran fan de la mayor y mejor banda de Rock and Roll jamás surgida de los States, no podía perderme semejante evento.

Tras un gran fin de semana por Barcelona, el domingo 27 subimos a la cima del monte de MontJuic, donde se celebraron las olimpiadas del 92, con ánimo de sudar más que los competidores de aquellas lides y de disfrutar más que los agraciados con el oro olímpico.

A eso de las 7 y poco ya estábamos dentro del pabellón (realmente grande) dispuestos a disfrutar del mejor rock and roll que haya parido nadie.

Los encargados de abrir la velada, unos tales The Crips o algo así, no pegaban mucho como teloneros de Aerosmith, en ningún sentido, y el mayor (y prácticamente único aplauso) se lo llevaron cuando abandonaron el escenario. No le gustaron a nadie, me parece.

Tras preparar el escenario para lo que realmente importaba, tras unos 45′ se apagaron las luces, bajó el telón con el gigantesco logo de Aerosmith y comenzó el Show. EL telón cayó al suelo con los primeros acordes de “Love in an Elevator” y la fiesta comenzó con Steven Tyler y Joe Perry paseándose por la pasarela central, constante a lo largo de todo el Show, principalmente por la parte de Steven, mientras todos coreábamos el “UO-OH” y el “UOH-YEAH” del estribillo. Siguió una estupenda “Back in the Saddle” y luego “Falling in Love (Is Hard on the Knees)” con la que comenzaron los problemas de sonido (esa canción apenas la pude seguir de memoria, más que por lo que estaba escuchando, un sonido pésimo se adueñó del pabellón y tardó varios temas en mejorar).

Siguió el Show con una “Eat The Rich” muy bien interpretada, y con un sonido mejor que el tema anterior, aunque a Steven le dió una tos tonta antes de acabar el tema con el famoso eructo, con lo que podemos dar fe de que el eructo le sale muy de dentro!! .

En “Pink” volvieron los problemas de sonido, principalmente se escuchó mal el solo de armónica de Steven, que lució un sombrerito rosa durante todo el tema, que acabó regalando a la audiencia.

El siguiente tema fue uno de los grandes clásicos de la banda, la espectacular “Living on the Edge”, para la cual Joe Perry sacó la guitarra de doble mástil y nos deleitó con una gran interpretación a las seis cuerdas.

Con “What it Takes” el sonido pareció arreglarse definitivamente (aunque nunca llegó a ser perfecto, pero sí bastante bueno). La interpretación fue muy del estilo a tal y como aparece en el directo “A Little South of Sanity”, con la primera estrofa interpretada por Steven “A Capella” con la ayuda de todos los asistentes, y la banda entrando a piñón con el primer estribillo. Un gran momento de la noche, y es que, de todas las baladas de su discografía es ésta una de las mejores y de mis preferidas.

“Jaded” para mí fue uno de los momentos menos disfrutables, puesto que es una canción que me parece simplemente correcta (y creo que Joe Perry estará de acuerdo conmigo, a tenor por la cara de desprecio con la que miraba a Steven desde el frente del escenario hacia la pasarela en donde su gemelo toxicómano se daba un baño de masas), aunque bien es ceirto que gran parte de la audiencia fue uno de los temas que más disfrutó (de eso no quiero hablar demasiado porque me pareció lamentable que toda esa gente luego pareciese no conocer gran parte de los grandes clásicos históricos del grupo).

Aunque con “Rag Doll” la cosa se animó nuevamente para mí, con Joe Perry tocando magníficamente el Pedal Steel durante este gran clásico divertido, vacilón y festivo del “Permanent Vacation”.

“Rag Doll” fue seguida por otro de los grandísimos mega-hits noventeros del grupo, sin ninguna duda la canción de Aerosmith que más popularidad alcanzó a este lado del atlántico y que facilitó que se convirtiesen en todo el mundo en algo similar a lo que siempre habían sido en los States, me refiero, claramente, a “Cryin’”, el temazo que lanzó al estrellato mundial a una Alicia Silverstone que tocó techo en su carrera con este clip.

Y la cosa fue poniéndose seria poco a poco. Steven se acerca a Joey Kramer y algo le comenta, mi compañero entre el público y autor de las fotos que acompañan a esta crónica, había estado twiteando a Joey y Tom con el objetivo de que tocasen un tema en concreto, y al ver su conversación pensó qué tal vez le harían caso. Steven se volvió al medio de la pasarela y se señaló el tatuaje del brazo izquierdo. Sí, iban a hacer caso de las peticiones: “Mama Kin”.

El hit de su primer álbum, esa canción que le parecía tan buena a Steven Tyler que tuvo que tatuársela en el brazo para que perdurase en el tiempo aún cuando no llegase a sonar en ninguna radio, esa canción que los Guns and Roses versionaron camino del megaestrellato mundial para dejar claro cuáles eran sus raíces. Y la disfrutamos como locos… la disfrutamos como locos los 4 locos que la disfrutamos, porque como decía anteriormente, allí había mucha gente que parecía pensar que la carrera de los chicos de Boston comenzó en 1999… Tom Hamilton nos miraba desde el escenario y se hechaba unas risas viéndonos botar emocionados, ¡¡al menos hay alguien que sabe que llevamos 40 años en esto!! debía pensar el bueno de Tom.

“Stop Messing Sround” fue el clásico momento Joe Perry, donde se hace dueño del micro y de las voces principales. Un tema que llevan tocando en directo desde la gira del Pump, allá por 1989, siendo sustituído de vez en cuando por “Walk On Down” o “Falling Off” en las giras de Get a Grip y Nine Lives, pero ya fija e inamovible en el set-list desde que se decidieron a grabarla para el “Honking on Bobo”.

Y llegó el momento más esperado por algunos y más temido por otros, la polémica “I don’t Want to Miss a Thing”. Está claro que hay personas que van a ver a Aerosmith sólo por esta canción, así que están prácticamente obligados a tocarla, pero a los fans de siempre y a 4/5 partes de la banda es una canción que no nos gusta nada. Una cosa son temas como “Cryin’”, “Dream On”, “Seasons of Wither” o “What it Takes”, canciones con el sello personal del grupo, con sonidos épicos, country, con emoción, intensidad, dulzura, etc… y otra cosa es esto. No diré que una mala canción, pero desde luego que es una canción que no suena a Aerosmith, una canción que no transmite pasión, ni fuerza, ni intensidad, ni es dulce, ni tiene un aire épico, ni un toque de country, nada. Es simplemente algo que no te altera ni te dan ganas de destrozar cosas o matar a imbéciles cuando lo escuchas (lo cual es un avance con respecto al 90% de la “música” de radiofórmulas), pero que te deja completamente frío. Ni chicha ni limoná. Pero para alguna gente, inexplicablemente, es algo especial… nunca entenderé a la gente que no tiene el más mínimo oído musical, ni la más mínima pasión corriendo por las venas, pero bueno, ahí están. Al fin y al cabo son sólo 5 minutos en un show de 2 horas.

Ya libres de moñadas volvemos a lo bueno, Mr. Tyler presenta a Mr. Tom “Sweet Emotion” Hamilton, uno de los momentos clásicos del grupo. Uno de los mayores hits del hard rock en los años 70, con Tom Hamilton tocando uno de los Riffs de bajo más famosos de la historia, mientras Steven Tyler toca su maraca gigante, Joe Perry saca la Talk Box y les acompañamos cantando el “crescendo” hasta el clímax con el riff principal. Y por supuesto con el solo de Theremin de Joe y la orgiástica parte final de locura, con Joey aporreando la batería mietras Joe, Brad y Tom juegan con las distorsiones y el Theremin, tanto con las manos como acercándose y alejándose de él rítmicamente mientras interpretan los solos finales.

Y como ya estamos lanzados, encadenamos los mejores momentos del Show, y tras “Sweet Emotion” cae “Baby Please Don’t Go”, que grabaron en 2004, pero tiene la energía y la intensidad del “Get Your Wings”, es Aerosmith destilado y reconcentrado. Ocupa en el set el papel que en giras pretéritas ocupaban temas como “Rats in the Cellar” o “Rattlesnake Shake”, un tema duro y rockero, con una parte central sexy, jadeante y arrastrada que poco a poco va subiendo hasta una explosión final de rock and roll, guitarrazos, harmónicas, distorsión y berridos rasgados a todo trapo. Aerosmith en estado puro. Y para acabar con el set principal, otro clásico rockero, setentero, con el sonido sexy del slide guitar de Joe, el crescendo desde la nada en la parte central y la explosión final con Steven dejándose la garganta en un final de locura pura y dura, “Draw the Line”.

Tras el parón de rigor, vuelven al escenario para los bises, y el tema encargado de devolverlos a escena es el que fue su primer gran éxito, la primera “gran balada del rock”, una canción llena de épica y dramatismo: “Dream On”. Como no podía ser de otra forma, el vello erizado y los sentimientos a flor de piel, “Dream On, dream on, dream on until your dreams come true”. Y sí, el sueño se estaba haciendo realidad, aunque ya quedaba poco.

“Walk This Way” con mejor riff de guitarra de la historia del Hard Rock, y su ritmo funkarra, precursor del rap, que puso a todo el pabellón a bailar agitando los brazos de un lado a otro y como fin de fiesta “Toys in the Attic” trallazo hard rockero, tema título y apertura de uno de los más afamados discos de rock de todos los tiempos, con el que nos dejaron sudando a chorros y con una enorme sonrisa de felicidad en la boca. Los chicos malos de Boston nos visitaron y demostraron que pese a llevar 40 años en esto, siguen con la misma energía y en tan buena forma como siempre.

El pasado 22 de Junio, tras un viaje relámpago, tuvimos la ocasión de asistir al paso por Madrid del Show musical más espectacular del planeta tierra. Por supuesto que sí, estoy hablando de KISS en concierto.

Ya en el exterior del recinte se vivía el típico ambiente de este tipo de grandes citas rockeras. Rockeros de todo tipo y pelaje, desde familias con niños pequeños hasta veteranos de mil batallas. Mucha gente maquillada como la banda (el modelo Gene Simmons sigue siendo el más popular) e incluso un par de Stormtroopers de Star Wars caracterizados como fans del “Demonio” escupefuego.

Los teloneros fueron Imperial State Electric, la nueva banda de Nicke Hellacopter. Diron un concierto bastante bueno, si bien el sonido fue el típico de los grupos teloneros y se notó que no era un show propio. Además contó con un par de invitados, un supuesto vocalista de bailes extraños que los acompañó durante una canción, y el gran Dregen, que no quiso perder la oportunidad de tocar en el mismo escenario de los KISS una vez más, y demostró que lo suyo es electricidad pura circulando por las venas. Ni una milésima de segundo puede estarse quieto. Para mí fue lo mejor del concierto, las canciones en las que Dregen llenó el escenario y una buena  muestra de clase rockera.

Con puntualidad británica, pese a ser norteamericanos, cosas de la profesionalidad de la que tanto presumen, se bajó el telón mostrando un enorme logo de la banda, y a las 9 en punto dió comienzo el espectaculo.

Por las pantallas gigantes veíamos cómo el grupo salia de camerinos y se dirigía al escenario dispuestos a machacarnos las neuronas. El tema elegido para abrir fuego fue “Modern Day Delilah”, canción que abre, y primer single también, el álbum recientemente editado y que están presentando como excusa para la gira: “Sonic Boom”. Según sonaban los primeros acordes del tema, el telón cayó ante el delirio de los fans y la banda salió a escena en una pasarela que transportó a Gene, Paul y Tommy Thrayer desde detrás de la batería de Eric Singuer, por encima de la misma y hasta dejarlos suavemente en la parte delantera del escenario, desde donde ocuparon sus posiciones: Gene a la izquierda, Paul en el centro y Tommy a la derecha. Lo único que falló durante esta canción fue el sonido, un poco confuso y embarullado, pero que se arregló completamente para la canción siguiente.

Como era de esperar, Paul Stanley ejerció de maestro de ceremonias y tras acabar con Modern Day Delilah nos explicó que en este tour, llamado “From The Begining To the Boom” iban a tocar canciones abarcando desde los primeros días de la banda hasta las más nuevas de “Sonic Boom”. Y como habían empezado con una del último disco, la siguiente sería del primero: Cold Gin. Tras la vibrante interpretación de este gran clásico, siguieron sin respiro con otro temazo de los de antes, “Let me Go Rock and Roll”, interpretada como en el “Alive!”, con la parte instrumental que se comían en el “Hotter than Hell”, que evidentemente es mucho más apropiada para disfrutar en directo.

El cuarto tema de la noche fue otro gran clásico del álbum debut, “Firehouse”, en la que volvieron a sonar las sirenas de los bomberos y el humo se adueñó del escenario, como podeis ver en la imagen siguiente, y tampoco faltó uno de los números más clásicos, esperados y famosos de los conciertos de KISS, cuando tras acabar el tema, Gene se acercó a un lado del escenario, bebió algo de un vasito, recogió una espada en llamas, se dirigió con ella en la mano al centro del escenario y cuando se aseguró de haber captado toda nuestra atención, lanzó un escupitazo de llamas para poner el punto y final a la primera parte del Show.

Paul volvió a tomar las riendas del show para recordarnos que tienen un nuevo álbum a la venta, y tras hacernos repetir el Boom del título a golpe de bombo “Boom, Boom, Boom”, nos hizo decír sí. “Say Yeah”, y le ayudamos con los coros encantados de la vida, Paul cantaba “Say Yeah” y nosotros le hacíamos caso por triplicado “Yeah, Yeah, Yeah”. Personalmente me parece una de las canciones menos destacables del disco, pero en vivo, con la interacción entre Paul y la audiencia gana enteros y entiendes el porqué de la elección de esta canción para el set.

Y como anteriormente, tras una de las nuevas, una del “KISS”. Uno de los mayores clásicos del grupo, que nunca falla en ningún concierto, “Deuce”, para la que volvieron a rescatar el clásico baile con Gene, Paul y Tommy en el centro del escenario moviendo las cabezas y las guitarras al ritmo de la canción, en lo que ya es uno de los movimientos clásicos del rock and roll.

Y como la noche prometía ser de locura, por fin se decidieron a rescatar algo de su etapa desmaquillada en los ochenta. Un clásico del rock melódico, “Crazy Nights”, que fue uno de los momentos más festejados del Show. Una canción que faltó durante muchos años en los conciertos de KISS y teníamos muchas ganas de escuchar.

Y en una noche loca como esa, había gente que no podía faltar, no podía faltar y aún no había llegado, así que tuvimos que llamarlo. Llamamos al doctor amor, y apareció, era Gene Simmons a la batuta para deleitar a las presentes “Calling Doctor Love”.

Y llegó uno de los momentos que podrían ser más polémicos del espectáculo, por el tema de tener a un “farsante” ocupando no sólo el sitio, las botas, el traje, el maquillaje de uno de los miembros originales del grupo, sino que además atreviéndose a tomar el tema-emblema de Ace Frehley y cantarlo él mismo. Lo cierto es que estando allí, te da igual que Tommy no sea Ace y que la voz que canta el tema sea diferente, al menos en mi caso me limité a estar en un concierto de KISS escuchando una de mis canciones preferidas perfectamente interpretada, aún siendo consciente de que me la estaban dando con queso.

Hay que destacar el buen solo de Tommy, acompañado para la ocasión de otro gran solo de batería de Eric Singuer y varios de los números escénicos clásicos de KISS, Tommy deslumbrando al público con la luz de un foco reflejada sobre la trasera de su guitarra plateada, que mandó volando por los aires, la batería de Eric Singuer saliendo por los aires durante su solo, el propio Tommy haciendo lo mismo en un plataforma lateral, y como colofón final Tommy disparando cohetes desde la guitarra cargándose varios de los focos laterales y Eric sacando un Bazooka para hacer lo mismo, disprar y abatir varios de los focos, que caen precipitándose al suelo del escenario.

Tras el momento estrella con únicamente los dos impersonators sobre el escenario y encargándose de sacar adelante el show sin ayuda de ningún miembro original de la banda, vuelven Paul y Gene para acometer el último de los temas nuevos que presentarían en esta velada, la heavy “I’m an Animal”, con la que Gene Simmons se encontró en su salsa, seguida de una de mis preferidas, aunque curiosamente fue la que tuvo una acogida más fría por parte del público en esa ocasión.

“100.000″ years, con su grandiosa intro de bajo, su ritmo de tren imparable, el maravilloso solo de batería mientras Paul aprovecha para comunicarse con la audiencia y jugar con el micro, tirándolo al aire, balanceándolo sobre las cabezas de las primeras filas o enrollándose el cable alrededor del cuello, en lo que es es “Speech” más famoso de la hostoria del rock nd roll, en donde luce su potencia vocal y su carisma escénico metiéndose a la gente en el bolsillo, pese a fría reacción al principio del tema. Sin ninguna duda, uno de mis momentos preferidos de cualquier show de rock and roll. Cada vez que pincho el “Alive!” no puedo esperar a que llegue esa parte, y en directo es igualmente brutal. Simplemente la clavan.

Y entonces llega el gran momento de Gene Simmons. Se queda sólo al frente de un escenario completamente a oscuras exceptuando una luz verdosa que lo ilumina desde abajo. Y algo le pasa, empieza a hacer su solo de bajo, mira a un lado, mira al otro, no le gusta la reacción de la gente, con una pose chulesca recrimina a los asistentes, una vez obtenida la atención necesaria, vuelve con su solo de bajo, y súbitamente, tiene unas convulsiones, parece que algo le mana de la boca… dos chorretones de sangre, que cada vez caen con más profusión, vomitándola sobre sí mismo, sobre el escenario, saca la lengua para empujar todo el fluído hacia fuera y la menea de un lado a otro consiguiendo que todas las gotas que aún permanecían pegadas a su desproporcionado músculo bucal salgas despedidas hacia los lados… y entonces ante la estupefacción general sale disparado volando hacia el techo, ocupa un sitio en el centro del sistema de luces del escenario y ataca con “I Love It Loud”, que coreamos para él desde lo más profundo de nuestros pulmones “UoUo-OH, Yeeh-Yeeh-Ah!”.

Y tras finalizar, con Gene de vuelta al nivel del escenario, Paul agarra el micro y nos dice “I really Love You Baby” a lo que le respondemos “I Love What You Got”, y él “Let’s Get Together, We Can…”  y nosotros “Get Hot”. -”No more tomorrow, baby ” -”Time is today ” -”Girl, I can make you feel…” -”O.K.” -”No place for hidin’ baby” -”No place to run” -”You pull the trigger of my …” -”Love guuuuuuuuun” -”Love guuuuuuun” -”Love guuuuuuun” -”love guuuuuuun”. Y empiezan de nuevo ya con toda la banda: “LOVE GUN”.

Al acabar “Love Gun”, Paul toca él solito “Whole Lotta Love” de Led Zeppelin, y nos anima a acompañarlo, tras llegar al estribillo, ya cerciorado de que ésa nos la sabemos, nos pregunta si nos sabemos otra, y que si es así, lo acompañemos. Él se limita a tocar los acordes, y claro que sí, la sabemos “Out on the street for a living, picture’s only begun, got you under their thum”. “Black Diamond” con Eric Singuer encargándose de las voces de Peter Criss en esta ocasión, y salvando la papeleta con nota. Y durante el solo, vemos a Tommy tocando arrodillado con Paul y Gene plantados de pie a su lado en lo que es otro de los movimientos clásicos de los conciertos de KISS.

Se acerca el fin de fiesta y cae una de las canciones más celebradas, la festiva, marchosa, levantamuertos, simple y efectiva, con un mensaje sencillo, directo y arrollador: “Lick It Up”. El punto álgido de la fiesta sin ningún tipo de duda. Y para acabar con el set “principal”, Paul nos habla de otra ciudad rockera a miles de kilómetros de distancia “Detroit Rock City”.

Tras el clásico parón, regresan al escenario empuñando las guitarras acústicas y nos deleitan con una versión en acústico, cantada por Eric Singer, del gran clásico de PEter Criss, “Beth” y nuevamente me sobrepongo a la sensación extraña de ver a otro disfrazado de Peter, cantando la canción de Peter. Al fin y al cabo la canto yo mismo a voz en grito y ahí están los KISS para acompañarme. Y sin dejar las acústicas de lado, se lanzan con el éxito que les salvó el culo allá por 1989, cuando vivían un momento especialmente bajo y reactivó a la banda, una “Forever” que interrumpen al finalizar con la parte acústica del tema. Ya está bien de baladas y guitarras acústicas. Es hora de sacar las eléctricas y volver a festejar “Shout it Out Loud”. Tras la cual Paul nos comenta lo mucho que nos ama a todos y que desearía poder estar en medio de todos nosotros. Dicho y hecho, se agarra a un trapecio, y sale volando sobre nuestras cabezas hasta una plataforma que aparece en medio del pabellón y nos dedica “I Was Made for Loving You”, que debo decir que aunque fue una buena interpretación, tuvo que bajarla un buen montón de tonos, pues aunque su voz se mantuvo perfecta durante el resto del show, los falsetes de este tema, a estas alturas de la gira es mejor no intentarlos.

Y bueno, el concierto tocaba a su final, un buen momento para recordar que el Rock and Roll es un regalo maravilloso, divino, que debemos disfrutar como se merece. Momento de rescatar una canción del Revenge, “God Gave Rock and Roll To You”. Y como colofón a una perfecta noche de rock and roll, “Rock and Roll All Nite”, el himno de la nación del Rock, en medio de la lluvia de confeti más densa que he visto en mi vida, con la batería de Eric, y las plataformas con Gene y Tommy levitando sobre el escenario y Paul rompiendo su guitarra en medio del humo, el confetti, las llamaradas y los fuegos artificiales.

KISS en concierto son la mejor, más rockandrollera y por supuesto la más divertida fiesta que existe en este planeta.

1. Modern Day Delilah
2. Cold Gin
3. Let Me Go, Rock ‘N’ Roll
4. Firehouse
5. Say Yeah
6. Deuce
7. Crazy Crazy Nights
8. Calling Dr. Love
9. Shock Me
10. I’m An Animal
11. 100,000 Years
12. I Love It Loud
13. Love Gun
14. Black Diamond
15. Lick It Up
16. Detroit Rock City
Encore:
17. Beth / Forever
18. Shout It Out Loud
19. I Was Made For Lovin’ You
20. God Gave Rock ‘n’ Roll to You II
21. Rock And Roll All Nite