KISS – Sonic Boom (2009)

KISS han vuelto y te lo había dicho!!
Han pasado 11 desde su último disco de estudio, “Psycho Circus”, Ace Frehley y Peter Chriss ya no están en la banda y fueron sustituídos hace tiempo por Tommy Thrayer y Eric Singuer, a los que han disfrazado como si de los miembros orignales se tratase. En este tiempo, Gene y Paul han editado sus respectivos discos en solitario (nefasto el de Gene y muy bueno el de Paul), KISS han realizado varias giras por todo el planeta, han editado “KISS Symphony: Alive IV” y una caja con los 3 KISS Alive y el que originalmente estaba destinado a ser el KISS Alive IV, pero que finalmente no se editó en su día y finalmente apareció en la susodicha caja bajo el nombre de “The Millenium Concert” (aún con la formación original al completo). En ese período, Gene Simmons llegó a declarar que KISS jamás grabarían un nuevo disco de estudio, puesto que no les compensaba. Probablemente el éxito de los últimos lanzamientos de grupos como AC/DC, Guns and Roses o Mötley Crüe, unido a la falta de nuevas excusas para hacer giras y ofrecer algo nuevo en las mismas es lo que les ha llevado a cambiar de opinión. Y tal vez, puede que se encontrase con estas 11 maravillosas canciones entre manos y pensasen que no habá excusas para dejarlas en el tintero “per sécula seculorum”. Menos mal que finalmente se decidieron a grabarlas, porque estamos ante un disco superlativo.
El primer tema del track list es el single “Modern Day Delilah”. Ahí ya está claro que tenemos a los KISS de siempre y en muy buena forma. Un riff cortante al viejo estilo, la voz de Paul, un poco más rota que en su juventud, pero en gran forma, y una letra sobre una chica mala que recibe su merecido al encontrase con el StarChild. La vieja fórmula que siempre les funcionó. ¿Estamos en el año 2009 o en 1977? Es difícil de decir, sólo la magnífica producción, cosa de Paul que llevó las riendas de este proyecto, puede ayudar a aclararlo.

Modern Day Delilah – Directo en el show de David Letterman, 6 de Octubre de 2009.

El segundo tema también es para nota, “Russian Roulette”. En esta ocasión las voces principales son para Gene, que se muestra como el depredador sexual que es “Your hands ara tied, You wanna Take me baby, all Up inside” en un tema magnífico, de aire un poco más ochentero, muy cercano al “Creatures of the Night”, y que es lo mejor que ha cantado Gene precisamente desde “I Love It Loud” y “WAR Machine”.
“Never Enough” es el típico tema festivo cantao por Paul, en la línea de canciones como “Tomorrow and Tonight” o “Shout it Out Loud”, que será un gran momento si se deciden a tocarla en directo. Aunque tal vez si Bret Michaels se decide a ponerles una demanda por plagio pueda llevarse un buen pellizco.
Con “Yes I Know (Nobody’s Perfect)” vuelve Gene Simmons a hacer de las suyas: “No-no-no nobody’s perfect, maybe it’s time to take off your clothes”. Otro temazo marca de la casa, que podría haber sido un tema del “Love Gun” o del “Dressed to Kill” perfectamente. En solos como el de esta canción es evidente que Tommy Thrayer tiene el estilo de Ace Frehley compltemante dominado y se desmarca con un sonido totalmente 70’s que hará las delicias de los viejos fans de la banda.

“Stand” es el único tema que baja un poco el ritmo, y tampoco demasiado, no hay baladas ni medios tiempos en “Sonic Boom”. Es un tema con varias partes diferenciadas, las estrofas más rockeras y el estribillo más melódico, donde Gene y Paul se reparten las voces principales y los coros de la parte final del tema recuerdan muchísimo a “God Gave Rock and Roll to You II”.
“Hot and Cold” es el tercer tema cantado por Gene y al igual que los dos anteriores es fabuloso (Gene es el gran vencedor en Sonic Boom, aunque la producción e incluso la composición de alguna de las canciones cantadas por él correspondan a Paul) y Gene sigue sin comedirse en absoluto (“I’ve Got the Power any Hour, Baby feel my tower of Power”) para darnos otra delicia Hard Rockera llegada directamente de los mid-70’s.
Paul y Gene quieren hacer ver que KISS no es sólo una tiranía de dos y que tanto Tommy como Eric son miembros de la banda de pleno derecho, así que les han dejado cantar un tema a cada uno. “All for The Glory” es el que le han dado a Eric y la verdad es que puede estares muy agradecido porque esta es, probablemente la mejor canción del disco. Tiene un sonido mucho más ochentero y la voz más “callejera” de Eric va perfecta para un tema de estas características. Es una de esas canciones de temática, somos unos triunfadores porque nos lo hemos currado y lo valemos, y temática aparte, es un temazo absoluto, un auténtico clásico instantáneo donde todo es perfecto. La voz de Eric, los coros de Paul, Gene y Tommy, el solo de Tommy, el riff, la melodía. El Hard Rock llevado a la perfección.

 

“Danger Us” nos devuelve a Paul a las voces principales varios temas después. Es un temazo de gran riff, una progresión perfecta y un estribillo poderoso. La voz de Paul está aquí más rasgada que nunca, dándole un toque más salvaje, las guitarras de Tommy suenan muy afiladas contestando a los versos de Paul, como los coros lo hacen en el estribillo. La versión moderna de “Love Gun” o “I Stole Your Love”.
Y Gene aún tiene algo que decir. Este hombre es 3/4 partes depredador sexual 1/4 parte de monstruo salvaje y sobrenatural, y ésta última faceta es la que quedaba por plasmar en “Sonic Boom” y lo hace en otra gran canción, “I’m an Animal”, la de sonido más duro de cuantas forman el disco, un tema deudor de canciones como “She”, “Deuce”, “Watchin’ You”, “God of Thunder” o “Cold Gin”, riffs más pesados, el tema Heavy Metal del disco y el más cercano a los 3 primeros discos que editaron allá por 1974 y 1975. Otro temazo perfecto para la colección.

Y por fin el momento de Tommy Thrayer, que no tuvo suficiente con imitar a la perfección todos los trucos de Ace Frehley a la hora de interpretar, si no que en “When The Lightning Strikes”, cuya autoría se reparte con Paul Stanley, tanto el riff principal, como la voz de Tommy y la propia temática de las letras (“I’m on the Move at the Speed of Sound, I’m Alive like a Hurricane Flies, I don’t Run, I don’t Walk the Line, when the Sky and the World’s collide, It’s my Time, I’m Gonna Take What’s Mine”) se aproxima muchísimo a lo que hacía Ace tanto en la banda como en su carrera en solitario. Le copió el maquillaje, el traje, la forma de tocar, la de componer y la de cantar. Tal vez es demasiado, pero si nos olvidamos del hombre del espacio original lo que nos queda es otro gran tema para la colección.
Y por último “Say Yeah”, el tema que cierra el disco, compuesto y cantado por Paul Stanley, una canción con aire más ochentero, más melódica, con un ritmo más pausado y un tono más oscuro, podría decirse que es el tema épico del disco, con un gran solo de Tommy, y que acaba en una especie de clímax constante, y que podríamos comparar a las dos canciones elegidas para cerrar “Psycho Circus”, “Journey of 1000 years” y especialmente “Dreamin’”. La forma perfecta de cerrar un disco perfecto.

Además, una edición especial del disco incluye 15 temas clásicos del grupo regrabados por la banda actual para la ocasión y un DVD con una actuación en Buenos Aries durante la última gira de la banda.

Detroit Rock City – En directo para el programa de Jimmy Kimmel,  7 de Octubre de 2009.

No hay mucha novedad en los clásicos regrabados, y es un producto completamente secundario, sólo una curiosidad para los fans, que principalmente sirve para hacernos una idea de cómo van a sonar en directo estas canciones. Las versiones originales, grabadas con más tiempo y una produción más cuidada, salen mejor paradas que estas revisiones, que más bien parecen grabadas en directo en el estudio o ensayos para la gira.

 

En resumen, se nota que Paul y Gene han metido toda la carne en el asador para hacer el mejor disco posible, y lo han logrado. Pueden darle lecciones tanto a todos sus compañeros de generación como a todas las bandas nuevas. Talento y trabajo, la fórmula de la que siempre han presumido.
El disco del año, en un año lleno de grandísimos y buenísimos lanzamientos discográficos, sin duda alguna y uno de los mejores discos de la carrera de KISS, no diremos el mejor porque eso dependerá del gusto de cada uno, pero está al mismo nivel que “Destroyer”, “Creatures of The Night” o “Rock and Roll Over”.

Europe – Last Look at Eden (2009)

Los suecos con más clase en el mundo del Hard Rock regresan a todo lo grande con éste “Last Look at Eden”. Si los discos que publicaron tras su retorno en 2004, “Start from the Dark” y “Secret Society” se alejaban completamente de lo que nos tenían acostumbrados (Hard Rock melódico, por llamarlo de alguna forma) y nos ofrecían un sonido muy oscuro y pesado, más cerca de Alice in Chains por ejemplo, que de los discos que les dieron la fama, este “Last Look at Eden” se acerca mucho más a lo que esperarán oír de Europe aquellos que les perdieron de vista en los 90 y no llegaron a escuchar sus dos discos precedente.
De alguna forma éste disco sirve de puente entre ambas etapas, mantiene parte de ese sonido más oscuro y endurecido que han enseñado en los últimos años, pero ahora las canciones vuelven a ser el gran Hard Rock basado en melodías sobrenaturales a las que nos tenían acostumbrados en sus años de juventud.

Last Look at Eden

El disco comienza con una intro de música clásica compuesta para la ocasión que da paso al primer tema, primer single editado y tema título, “Last Look at Eden”. Un tema cañero y pontente de buen hard rock donde ya se hace evidente lo que comentaba anteriormente.
“Gonna Get Ready” sigue en la misma onda, un tema muy poderoso, pero basado en la melodía, con una parte central calmada donde Joey Tempest deja una lección de clase y un solo abasolutamente maravilloso de John Norum.
“Catch That Plane” sigue siendo un tema con una buena pegada, pero un poco más tranquilo y relajado que los anteriores, otra demostración de clase y estilo, con una producción perfecta, todo suena donde debe sonar, los coros y teclados justos, buenos puentes y transiciones, otro solo de esos que ponen la piel de gallin, no falta otra parte calmada seguida de un crescendo marca de la casa y para rematarla un final bellísimo.
La siguiente canción, “New Love in Town”, baja los pistones definitivamente, pero joder, es un temazo como la copa de un pino, la BALADA del año. Piano, guitarras acústicas, orquestación, tristeza, melancolía, la hermosa voz de Joey, un estribillo de los que llegan al corazón y lo sacuden sin remisión, por no hablar del crescendo que conduce al solo y al propio solo de Norum. Os dejo el vídeo -precioso, por cierto- para que lo disfruteis ahora mismo.

New Love in Town

Después de semejante baladón, toca cambiar y subir el pistón o corremos el riesgo de que la melancolía nos inunde para siempre, así que la siguiente es “The Beast” un temazo de Hard Rock super cañero, con el ritmo muy marcado, estilo apisonadora, que levanta los ánimos, hace moverse los pies y da ganas de machacar cráneos. Un parte intermedia estilo baladístico para coger aire y un final a todo trapo de nuevo para acabar de rematarla. Un trallazo.
“Mojito Girl” es otro tema rockero, en este caso en ritmo de Funky bacilón, pero muy marcado, Ian Haugland le pega realemente fuerte a su batería, y con uno de los mejores y más dulces estribillos de la carrera de Europe. Un tema alegre, dulce y potente, tres en uno.
“No Stone Unturned” es un tema épico, con violines y orquestación que por momentos llevan el peso del tema, un solo de teclados precediendo al de Norum, que para la ocasión recurre el truco de hacer las guitarras dobladas y un final como todo tema épico se merece.
“Only Young Twice” mezcla el sol y la tormenta, tras un comienzo duro y marcado, sigue la luz clara y calmada que da paso al clímax del estribillo, con Tempeste dandolo todo y finalmente se vuelve a endurecer con el riff del principio y ataca el sólo de John Norum.
“U Devil U” es otro tema movidito, con un aire muy positivo, una gran canción de AOR o de rock melódico. Una de las que se quedan fijadas en la mente con más facilidad.
“Run with the Angels” comienza con la línea de bajo dominando una melodía tranquila, con cierta calma, hasta que llega el momento de desgañitarse durante el estribillo, donde entra todo el grupo con fuerza y finalmente van cogiendo fuerza, y un ritmo machacón deja paso al solo de Norum, para acabar con otro solo con las guitarras dobladas contestándose por los dos speakers.
“In My Time” cierra el disco siendo la otra balada, en éste caso mucho más crepuscular que “New Love in Town”, más oscura y triste, igualmente llena de clase y saber hacer. Mientras las acústicas llevan la canción, la eléctrica de Norum da el contrapunto a la voz de Tempest, al que acompañan unos sutiles coros. Gran cierre para un gran disco.
Finalmente, mi versión del CD incluye un par de bonus tracks grabados en directo en el año 2005.

Después de verlos en directo un par de veces no me quedó duda de que son el grupo con más clase del planeta, pero sus últimos discos no recogían esa faceta de finura, estilo, clase y elegancia de la misma forma que sus discos antiguos y sus directos. Esta vez han dado en el clavo y en éste disco dan lo mejor de sí mismos y muestran auténticamente el grupo que realmente son.

Joe Perry – Have Guitar, Will Travel (2009)

Aquí tenemos el nuevo disco de Joe Perry en solitario. Llevaba algún tiempo preparándolo, y finalmente las circunstancias han hecho que el disco saliese a la luz antes incluso de lo previsto. El accidente de Steven Tyler durante la última gira veraniega de Aerosmith, que obligó a cancelar dicha gira, dejó a Joe con un tiempo en blanco por delante, así que en lugar de quedarse en casa esperando, se dedicó a aparecer en diversos enventos y conciertos de amigos y a terminar este disco.

Empieza con un tema muy rockero y potente, “We’ve Got a Long Way to Go”. La mujer de Joe, Billie, encontró a un desconocido vocalista alemán trasteando por internet y al chico le surgió una de las oportunidades de su vida. Lo cierto es que Hagen hace un gran trabajo en esta canción, de lo mejor del disco. Una canción directa al grano, un gran rock and roll de los de toda la vida.

“Slingshot” es un tema de aire decadente y oscuro  y con un desarrollo instrumental muy interesante donde Joe se hace con el control no sólo a través de las guitarras si no también a la voz.

“Do You Wonder” es un tema con un aire un tanto extraño, como de mal sueño donde Hagen vuelve a hacerse con las voces principales y que recuerda mucho a algunos momentos del “Joe Perry” que editó en 2005.

“Somebody’s Gonna Get (Their Head Kicked in Tonite)” es otro rock and roll, suena a fin de fiestón, se ha montado una pelea y mientras tanto Joe forzando la voz y todo el mundo salido de madre, coros a su aire, gritos, sonidos de fiesta, botellas que se rompen (tal vez en las cabezas de alguien) mientras la banda mantiene la tensión y alimenta la energía de la fiesta-pelea.

“Heaven and Hell”, nada que ver con Black Sabbath en este caso, empieza con una distorsión caótica que da paso aun tema épico de alto voltaje donde Joe se hace preguntas trascendentales: “Podría creer en el cielo, odio creer en el infierno (…) no creo en el cielo, porque si lo hiciese, tendría que creer en el infierno”, y lo mejor de todo son los solos y los desarrollos guitarrísticos de Joe.

“No surprise” que, nuevamente, no es un revisión del tema que apareció en el “Night in the Ruts”, recupera a Haguen para las voces principales, es un Rock and Roll más relajado. Joe hace un gran solo con una distorsión Wah-Wah muy divertida que nos retrotrae a los días del “Draw the Line”.

“Wooden Ships” es una gran canción instrumental donde Joe experimenta también con el Slide que tantas alegrías nos ha dado, y sirve de homenaje a uno de los maestros de Joe y de todo aquel que haya tocado una guitarra eléctrica, el recientemente fallecido Les Paul.

“Oh Lord (21 grams)” es un salmo, un gospel, un canto de los esclavos recolectores de algodón, un auténtico blues, una cacnión así, por supuesto, es totalmente acústica. Joe se encarga de las voces principales, cantando de forma sinceramente lastimera, “Oh, señor, cubre mis ojos, llévate éste dolor como una lluvia suave”.

“Scare The Cat” es un rock and roll rápido, agresivo y sin descanso ni para respirar, con Hagen nuevamente a las voces principales.

“Freedom” es otra gran canción de rock and roll directo y salvaje. Joe se pregunta cómo es posible que 200 años pasen tan rápido, deberíamos estar estancados en el pasado y dispuesto a luchar para hacer que dure. Y lo mejor, nuevamente, los solos de guitarra, donde vuelve a sacarle brillo a su legendario uso del Slide.

Compra el disco: http://www.play.com/Music/CD/4-/11924560/Have-Guitar-Will-Travel/Product.html?ptsl=1&ob=Price&fb=0

Descarga: http://depositfiles.com/files/0mv1pyfn3

Unas palabras de Joe, y un poco de la nueva música:

Alice in Chains – Black Gives Way to Blue (2009) (by Kashmir)

Pues bien, este finde he escuchado compulsivamente el disco, y más o menos creo que puedo emitir un juicio aproximado de lo que me parece todo esto. “Posiblemente” no sea el disco de la década, pero es que tampoco le vamos a pedir a AIC en cada década el mejor disco, si ya tiene el mejor de los 90. Pues “posiblemente” no sea el mejor, pero con el tiempo “posiblemente” no sea tan descabellado pensarlo. Está claro que no es tan monumental como el “Dirt” o el “Tripod”, pero tampoco ni falta que hace. Han regresado con un disco solidísimo y con un nivel impresionante.. vamos, lo que no suele pasar con el 98% de los comebacks o supergrupos.

También tengo clarísimo que no está Layne, y que con él este disco sí podría tener aún más “posibilidades” de ser el mejor de la década. Hay una total sensación de vacío cuando imaginas que “ahora es cuando entra Layne!”, y no es así. Sí, no es así, pero creo firmemente en que ésta es una nueva etapa de AIC, y que tienen todo el derecho a vivirla, y si es entregando discos como de este nivel por mí de putísima madre. AIC son más que una banda para mí, y en ese sentido podría ser mucho más talibán, pero Cantrell & co. me merecen todo mi respeto y confianza, y siempre estaré del lado de ellos.

Video-sample oficial de los temas del disco.

Estas son mis valoraciones de los temas a día de hoy:

1) All Secrets Known: Ese “a new beggining” que empiezan cantando es de pelos de gallina. No se puede comenzar de mejor manera. Tras el cambio de ritmo las armonías vocales son escalofriantes, porque juraría que es Layne quien está ahí detrás. No obstante Duvall en ningún momento viene a suplir a nadie, yo lo veo más como que su cometido es apoyar a Cantrell, no es un Layne wannabe o Sickman 2ª parte. Apertura que suena totalmente ceremonial.

2) Check My Brain:(Click sobre el título para ver el vídeoclip) Cuando lo escuché por primerz vez no hice más que buscarle pegas, que si el estribillo viene muy pronto, que si es algo simplona.. Y no cambiaba mi opinión aunque la escuchara más, pero ahora le veo esa simpleza-grandeza como Again. El riff es insano a más no poder, y el estribillo increiblemente pegajoso, un single rematadamente cojonudo, que ojalá les haga abrir paso con el disco.

3) Last Of My Kind: Una de las pocos temas en los que Duvall tiene verdadero peso y protagonismo vocal, y desde luego sale con nota atacando esta canción. Estribillo matador, con esas guitarras pesadísimas que te traladran y ese desarrollo final tan Tripod.

4) Your Decision: Este tema es pura magia. Cantrell a las acústicas es también un maestro, manejarlas junto a las eléctricas y hacer un medio tiempo maravilloso, como tan bien lo hacían también Page. El estribillo no puede ser más potito y herposo.

5) A Looking In View: (Click sobre el título para ver el vídeoclip) Aunque mi fe en Cantrell es infinita, con este tema empecé a tomar mis reservas con el disco, porque en su momento no me terminó de llenar. Y ya sé por qué fue. Me equivoqué al pensar que este disco iba a ser un Degradation Trip Vol. 3 (que me gustan un montón) y que la tónica del disco sería ésta, pero no quería yo eso para AIC. Y está claro que el tema al final me termina de enganchar gracias a que en el conjunto del disco le da otro matiz más al mismo.

6) When The Sun Rose Again: Preciosa acústica, que retrotrae a Sap y Jar Of Flies. Se agradece y mucho que Cantrell meta acústicas, porque como he dicho anteriormente, le da aire al disco y eleva a otro nivel entre tantos enormes riffs pesados. Marvelous!

7) Acid Bubble: Joder, si es que el disco no puede sonar más a AIC, y temas como éste lo refrendan. Como arden esas monumentales guitarras en el cambio inesperado de ritmo. Ahí, martilleando como dioogghhs manda. De los temas más oscuros del disco.

Lesson Learned: Tema Boggy Depot total, in my opinion. Pero vamos, el tema con esos puentes y estribillo sólo se me ocurre pensar lo brillantísimo que es Cantrell componiendo. Hace que entre la densidad veas otras cadencias y dinamismos en el disco. Acierto total incluir un tema así.

9) Take Her Out: Y éste enlaza con un rollo parecido al anterior, para que no decaiga la cosa. Épica y luminosa, Cantrell sigue mandando a las voces con un estribillo infeccioso.

10) Private Hell: Tema asfixiante marca de la casa. Y el otro momento del disco en el que juraría que Layne está ahí. Temazo.

11) Black Gives Way To Blue: La primera vez que la escuché pensaba que era un tema que se me quedaba un tanto cojo, como que faltaba por explotar al final. Pero con las escuchas se agradece que no entrara en nada pomposo más allá de la emoción que le pone Cantrell al cantar, en el que raja la voz en algún momento. Emocionante y emotivo final.

Vídeo promocional oficial “Black Gives Way To Blue – The interview”.

Realmente pienso que el disco no puede ser más sólido, y no veo prácticamente altibajos por ningún lado. Cantrell toca como dios y canta como dios. Duvall ya he dicho que hace un papel dignísimo y mucho más grande de lo que a simple vista pueda parecer. Mike Inez en su linea y con sus lineas, escandolosamente bueno y necesario. Y lo de Sean Kinney lo que quería remarcar bien.. cómo lo he echado de menos!! Y es que se me ocurren pocos baterías con un sonido propio, no digo estilo, me refiero a sonido! La banda de chapeau. Y no hay más que verlos en distintos videos (hasta los chorras, que son unos crackers), o en directo cuando los vi, disfrutan y hacen disfrutar.

Mencionáis que hay cierta sensación de deja-vu y que en los discos anteriores hay una evolución. Bien, está clarísimo que AIC es una de las bandas con mejor evolución de los últimos 20 años, y que realmente crearon su propio sonido. En este disco se ve que hay un poco de todo a partir del “Dirt” e incluyendo los discos en solitario de Cantrell, pero a su vez creo que le han imprimido un aire nuevo que hace que no suene tan a refrito, aunque no me jodáis porque es inevitable eso de pensar “esto me suena”.. es que es de cajón, cojón!.

En fin, siento el ladrillaco, pero es que con AIC necesitaba soltar algo así, para eso soy fanlocaza de ellos.

Todos los comentarios anteriores corresponden a Kashmir, y han sido reproducidos más que con su permiso, por iniciativa suya.

Ace Frehley – Anomaly (2009)

Ya lo tengo descargado en mi mp3, el martes 15 sale a la venta (cosas de los tiempos modernos) y no puedo esperar a tener el hermoso Digipack que parece que va a ser, en mis manos.
Existe una teoría, denominada Panspermia, que dice que la vida en la tierra porcede del espacio exterior. Últimamente estamos viviendo una oleada de buenas publicaciones rockeras, pero empiezo a creer que la teoría de la Panspermia es acertada, al menos en lo que el Rock and Roll se refiere. En este 2009, la vida al rock and roll le ha llegado del espacio exterior. El nombre del ovni, “Anomaly”, el del piloto, Space Ace Frehley.

Mis primeras reacciones durante la primera escucha, posteadas en un par de foros por ahí:

“Acabo de ponerlo, estoy en mitad del solo de la primera canción y esta vez va en serio.
Con medio tema escuchado lo tengo claro: DISCO DEL AÑO!!!!!
Foxy and Free, dios mío menudo temazo, como el resto del disco sea igual no sobrevivo. Diós mío, KISS lo van a tener imposible. Cada vez que Ace Compite con ellos sale ganador.
Empieza el segundo tema y pinta bien…. OK, es el songle, ésta ya la conocía. Aún stoy en estado de Shock por la primera…. y esta es otro temazo, suena peligroso el hijo de puta.
GRANDE ACE!!!!!!”

Me contestan incrédulos ante mi exagerado entusiasmo:

“Jojojojojo
Pero además sin ninguna puta duda y discusión!”

Y sigo en mi nube:
“Voy por la cuarta, la versión de “Fox on the Run” (menos mal que Ace Frehley, Def Leppard y Nikki Sixx me dan la razón con The Sweet) y te lo puedo decir alto y claro. La 2ª, 3ª y 4ª canciones están de putísima madre, pero es que la primera me ha dejado en estado de Chuck, digooo de Shcok. ES ACOJONANTE!!!
A ver la 5ª, tiene un título cachondo “Genghis Kahn” y empieza bien, con una intro acústica y ya empieza la caña. Me gusta, un rito muy marcado y Ace haciendo riffs con la ele´ctirca y la acústica superpuestas, y ahora un punteo cojonudo…. muy en la onda de “Ozone” del disco de 1978…”

Y en otro sitio escribí lo siguiente:

“Estoy escuchando el disco.
Sólo voy por la segunda canción y ya estoy acojonado. el primer tema “Foxy & Free” es lo mejor que he oído desde el “The Saints of Los Angeles”. Creo que éste va a ser el disco del año sin duda.
Cuando Ace se pone a competir con KISS, suele salir victorioso, menudo hijo de la gran puta lleno de talento!!”

Aún sigo por la primera escucha y no se ha caído nada, sigue subiendo y subiendo, “Too many Faces” es otro temazo acojonante.
Mientras lo escucho voy leyendo en www.Sleazeroxx.com el artículo con las priemras declaraciones de Ace. Dice que la fecha de edición, 15 de septiembre, coincide con el tercer aniversario de su sobriedad, así que lo primero que pienso es la cogorza que debió agarrarse el 14 de septiembre del 2006…
Pues sea lo que sea lo que se haya estando tomando este tiempo, le ha sentado de maravilla. En serio, no tenía esperanzas de escuchar algo tan bueno. Esperaba un buen disco, pero estaba seguro de que tendría un sonido demasiado metálico. La escucha del single de adelanto me recordaba al “Vengeance is Mine” que sacó Alice Cooper del “Along Came a Spider” (un buen disco, pero inferior a los dos anteriores) o al sonido del “Good to be Bad” que supuso el retorno de Whitesnake y que me defraudó por sonar demasiado metálico. Me esperaba algo así de Ace, un buen disco, pero con algunos pequeños peros.
Nada de peros, me ha dado una patada en la boca incluso antes de abrirla. ¿Visteis el anuncio que sacó para promocionar el disco? salen un viejo fan, un niño y una niña, empiezan a decir que si llevan toda la vida esperando y que nunca habrá disco.. y ahí aparece Ace en su moto, les pone el disco en las manos y Ace solamente emite un sonido burlón que viene a decir “ahora os callais las boquitas”.

(The Official Ace Frehley Anomaly Commercial)
Pues así es éste disco. A cerrar las bocas y abrir los oídos.
Dice el hombre del espacio que antes de entrar en el estudio de grabación se dedicó a escuchar y diseccionar su disco en solitario de 1978 (uno de mis discos preferidos de KISS, es el disco en solitario de Ace, pero como sabréis esos 4 discos en solitario se editaron como discos de KISS). A Ace todo el mundo le decía que su disco de 1978 era lo mejor que había hecho en su carrera, así que lo cogió y lo escuchó con mucho detalle para intentar captar el mismo sonido, la misma vibración, de recuperar el mismo estado mental de hace 31 años. Y dice que cree que ha recuperado la misma actitud y texturas musicales que en aquella ocasión.
Pues ante ésto sólo puedo decir 3 cosas. 1) Efectivamente su disco de 1978 es lo mejor que había grabado hasta ahora, y uno de los mejores discos de hard rock de todos los tiempos. 2) Ha hecho muy bien en escucharse a sí mismo dando lo mejor para saber dónde está lo mejor de sí y poder volver a dar lo mejor otra vez. La sobriedad es lo que tiene, supongo, que se piensa con claridad. 3) Le ha salido la jugada perfecta.
No sé, tengo costumbre de hablar un poquito de cada canción por separado de los discos que comento, y es difícil no ser repetitivo. No hay tantas cosas que decir y muchas veces acabo encontrándo forzado lo que empecé con ilusión. Ahora no estoy para esas cosas. Creo que con el rollo que he soltado es suficiente por el momento. Igual me animo mañana o pasado u otro día. Es lo bueno de los blogs, puedo ir editando las entradas según se me ocurren cosas nuevas o las releo y encuentro errores. Ace no tenía la oportunidad de editarnos el disco una vez publicado, así que no le ha quedado más remedio que hacerlo bien pensado, trabajado y perfecto.
Pero él es el profesional y la estrella, y ésto sólo es un blog aficcionado.
Las obras maestras para los maestros. El resto a disfrutarlo y rockear.

P.D. – Lamento no poder hacer un comentario del nivel que éste disco se merece, pero no doy para tanto. Aún estoy en la primera escucha, voy por “It’s a Great Life”, y sólo puedo decir “It’s a Great Record”. ¿Los 70’s fueron la mejor época de la historia del rock y ésta década es la más floja? Pues éste disco es un regalo extraído directamente de los setentas.

Joe Perry – Joe Perry (2005)

Hoy, 10 de Septiembre, es el cumpleaños del gran Joe Perry, uno de mis ídolos desde que tengo uso de conciencia.
Para celebrar el feliz día, aprovechando tanto que el día 6 de Octubre saca un nuevo disco solista y que en 2005 ya editó su primer disco en solitario (si no contamos como tales los tres del Joe Perry Project) voy a hacer un pequeño Review de aquel disco. Triple motivo, celebrar el cumpleaños de Joe, recordar un buen disco editado esta década e ir preparando el terreno para el inminente lanzamiento.
La ocasión la pintan calva, como suele decirse.
Con la única ayuda de Paul Caruso – que se encargó de grabar las baterías, bases programadas y percusiones, todo lo demás corrió por cuenta del guitarrista-, Joe Perry grabó y editó éste disco aprovechando un parón en la actividad del grupo. En parte se trata de descartes que no tuvieron entrada en discos de Aerosmith, ideas que gustaban pero no acababan de lograr convertirlas en canciones para la banda madre, algunas que estilísticamente sólo tendrían cabida en un disco solitario , otras concebidas para uso privado que acabaron en el disco y un par de versiones.
La primera canción fue el single y videoclip elegidos para promocionar el disco: “Shaking My Cage”, un tema muy rockero, con una Slide marca de la casa y que empieza el disco con mucho ritmo y fuerza. Un tema que encajaría perfectamente en cualquier disco de Aerosmith.

“Hold On Me” también empieza con un riff muy rockero y “Aerosmithero”, tiene una vena melódica importante donde el tono de voz grave y blusero de Joe es un gran contrapunto al ritmo vivo del tema, y por supuesto, las guitarras y las Slides reinan por todo lo alto.
“Pray for Me” cambia completamente de tercio, es un tema muy relajado con aires orientales. “Can’t Compare” es un medio tiempo rockero que podría ser la típica canción con Joe a las voces que siempre hay en cada disco de Aerosmith, con un solo del estilo al que nos tiene acostumbrados en los últimos años. “Lonely” comienza con las guitarras más contundentes de todo el disco aullando desenfrenadas, la voz de Joe es el hilo conductor al que se aferran las guitarras mientras las seis cuerdas echan humo desgañitándose en llamas. Uno de los puntos álgidos del disco.
“Crystal Ship” es una versión de los Doors, la voz de Joe, aún más grave que la de Jimbo, es perfecta para éste tema, que respeta el tempo y el aire del original, aunque quitándole importancia al órgano y sustituyendo el solo por uno de guitarra. Hablando de su voz y al respecto de ésta versión Joe comentaba: “Siempre he intentado esforzarme y siempre me he sentido forzado (cantando). Mi mujer me dice: “A todo el mundo le encanta como cantas blues”. Empecé a bajar a mi estudio y y a jugar con distintas versiones para tratar de empezar a rodar. Di con “Crystal Ship” y estaba dentro de mis posibilidades. Era capaz de volver a escucharla sin encogerme de vergüenza y así decidí a intentar cantar”.

“Talk Talkin’” es una de las canciones más alegres del disco, una especie de blues festivo con slide, con un estribillo de simple y fácil de recordar y cantar. “Push Comes to Shove” tiene un ritmo casi bailable, hasta el estilo vocal de Joe en este tema, más rítmico que otra cosa, algo muy del estilo de su viejo colega Steven Tyler, del que sacaron la inspiración los raperos del mundo, y Joe se acerca a eso. Y lo mejor de esta canción es el estribillo, simple y efectivo, que según dice el propio Joe “Muchas veces las ideas sencillas son las mejores”.
“Twilight” es un tema instrumental, donde el protagonismo es total y absoluto para las guitarras, recuerda un poco a “Boogie Man”, que aparecía cerrando el disco más vendido de la carrera de Aerosmith “Get a Grip”.
“Ten Years” es una balada semi-acústica que Joe compuso para su esposa “Compuse el tema “Ten Years” para mi mujer porque era nuestro décimo aniversario. Nunca tuve la intención de que la escuchara nadie más. Más tarde empecé a tocarla para otras personas y me fui acostumbrando a enseñar esa parte de mí. No se hundió el mundo ni nada”.

“Vigilante Man” es la otra versión del disco, en este caso de Woodie Guthrie. En este caso el tema cambia un poco más que en el anterior, lógico teniendo en cuenta los temas orginales, en este caso un tema de los años 30, que lógicamente grabado en 2005 tiene un sonido completamente diferente. Si el original era prácticamente un hombre y su harmónica, ahora es un hombre y su Slide. El resultado es un temazo tremendo, que podría haber aprovechado perfectamente para el “Honkin’ on bobo”, incluso no me extrañaría que la idea saliese de las sesiones de ése disco. La Slide de Joe suena potente, en primer plano, respetando completamente la melodía original, pero dándole un tempo un poco más marchoso y por supuesto, la voz de Joe es perfecta para estas canciones de Blues que acelera y rockeriza un poco para acercarlos a su sonido de blues-man y hard rocker del siglo XXI. Tremenda versión.
“Dying to Be Free” es un tema que por lo visto va dirigido a una diana concreta, aunque Joe, siempre reservado y discreto, no quiere dar muchos detalles: “Cuando la escribí tenía en mente unas personas en particular. Igual que ocurre con un montón de letras de canciones, puede funcionar en un montón de niveles diferentes”. Es un buen tema de rock, con un aire un tanto más moderno y unos interesantes cambios de ritmo, un poco más atmosférico por momentos.

Por último “Mercy”, que desde el primer punteo queda claro que es un temazo. Una lección de guitarreo en toda regla, de esas que estremecen y ponen los pelos como escarpias. Las diferentes líneas de guitarra se van sucediendo y superponiendo en una especie de discusión acalorada entre ellas. Según el propio Joe, es un tema que intentaron usar para Aerosmith, pero no fueron capaces de adaptarlo y decidió usarlo tal cual para éste disco: “Me encantó ese riff cuando lo compuse. Al principio duraba unos seis minutos. Lo toqué para Steven unas cuantas veces y él intentó de veras encontrar un lugar en el que meter algunas frases, pero había tanta guitarra que fue demasiado difícil hacerlo. Intentamos aligerarlo un poco, pero cuando lo hicimos perdía algo. Así que pasamos a otra cosa. Mercy lleva existiendo de varias formas unas 5 o 6 años (en el 2005). Tengo un montón de instrumentales, pero ése me pareció el perfecto. Después de grabarlo y de editarlo y mezclarlo con algo de sentido común, se convirtió en una bonita pieza musical.”
Y eso encontrareis en éste “Joe Perry”, unas cuantas bonitas piezas musicales.

Paul Stanley – Live To Win (2006)

Tras un parón vacacional, volvemos a la actividad.
Para empezar el nuevo curso he escogido éste “Live To Win”, publicado por Paul Stanley hace tres años por dos motivos diferentes. En primer lugar me gustaría aprovechar los próximos meses para repasar algunos de mis discos preferidos de ésta década, y éste es uno de los destacados. En segundo lugar por la vuelta a la actividad discográfica de KISS por un lado, tras 11 años sin editar un nuevo disco de estudio, y de un ex-miembro que reactiva su carrera discográfica en solitario después de 20 años, en este caso Ace Frehley.
“Live To Win” es lo más cercano a un disco de KISS que se ha publicado ésta década, y junto a los “Ashole” de Gene Simmons y “One for All” de Peter Criss, todo lo que han publicado los miembros originales de la “Hottest Band in The World”.
Cuando se editó fue una gratísima sorpresa. No es que la capacidad de Paul estuviese en entredicho, pero tras 8 años desde el último disco de KISS “Psycho Circus”, que no fue del agrado de todo el mundo y con el antecedente del horripilante disco de Gene Simmons, había algunas dudas acerca de si el torrente creativo se le habría podido acabar o si haría demasiados experimentos. Pero Paul se desmarcó con un disco completamente marca de la casa, con un sonido muy moderno, sí, pero esta vez dicho no como algo despectivo, sino positivo, y lleno de grandes melodías de las que sólo él es capaz, con su voz radiante y una colección de canciones de muy alto nivel.

El primer tema es el que da título al álbum, “Live To Win”. El sonido de las guitarras deja muy claro desde el principio el tipo de sonido y producción que buscaba Paul, muy “moderno” algo que incluso se intuye en algún sutil cambio calma-tormenta tan propios del Nu-metal, pero os asustéis, es sólo algo sutil, no hay Nu-metal aquí. Sólo una gran canción de Rock melódico muy trabajada, marca de la casa Paul Stanley, pero tratada con un tamiz de modernidad. Lo mismo puede aplicarse a los siguientes temas, “Lift”, un gran tema de aires épicos, con un sonido muy saturado por momentos y “Wake Up Screaming” otra grandísima canción de Hard Rock melódico que incluye bases programadas. Sin embargo en estos temas estas modernidades sonoras no son las protagonistas, el protagonismo es para las melodías y la voz de Paul, mientras que las bases programadas, las guitarras saturadas, etc… están empleadas con sabiduría para darle a la canción los toques, la profundidad de sonido y todos los detalles y riqueza sonora que requiere un disco de primer nivel.
El cuarto tema, “Everytime I See You Around” cambia el tercio, es una balada de ésas que sólo Paul sabe hacer. Aquí no hay modernidades ni inventos, es una canción deliciosa que podría competir con algunas de las que grabaron en sus últimos discos de estudio sin maquillaje, me refiero a “Forever” y “Everytime I Look at You”, pues sigue en una línea muy similar.
Y llegamos a mi canción preferida de todo el disco y en mi top de la década, “Bulletproof”. Un tema de Hard Rock completamente cañero, con la voz de Paul llegando a sus registros más altos, con un estribillo matador, completamente tarareable, guitarras hirientes, y unos coros femeninos maravillosos. Es la hermana gemela (trilliza, mejor dicho) de las dos mejores canciones del “Hot in the Shade”, “Hide Your Heart” y “SilverSpoon”. Una canción que nos devuelve a cuando el Hard Rock reinaba en los charts.

(“Bulletproof” en directo, 2006 en Chicago)

“All About You” retoma algunas de las sonoridades de los primeros temas, pero mantiene mucho del Hard Rock de toda la vida, las programaciones aquí sólo están para dar más profundidad al sonido, la base es una canción de Hard Rock realmente potente que no desmerece a la predecesora. “Second To None”, dedicada a su esposa, es la segunda power-ballad del disco, donde Paul sigue la línea baladística que tanto le gusta mezclando partes acústicas con estribillos potentes, sin perder la dulzura en ningún momento.
“It’s not Me” es otra canción rockera basada en una estupenda melodía que va creciendo hasta alcanzar el estribillo y que podría haber formado parte de discos como “Revenge” o “Hot in the Shade”; “Loving You Without You” es la tercera y última power-ballad del disco y sigue una línea muy similar a las dos anteriores, Paul’s Style.
Por último, otra de las mejores canciones de Rock Melódico de los últimos tiempos, “When Angels Dare”, una de las pocas canciones del disco con un riff reconocible, una melodía de alto octanaje, y un desarrollo perfecto, que incluye un pequeño solo con ls guitarras dobladas que nos recuerda mucho a los días de gloria de los KISS maquillados. Otra de esas canciones que sólo un tipo con mucho talento y amante del trabajo duro podría redondear como hace Paul.
En resumen, un disco corto y fácilmente escuchable, compuesto por 10 efectivas canciones de 3 minutos basadas en buenas melodías, estribillos coreables y pegadizos, cortos solos de guitarras bien afiladas y algunos sonidos programados pensados únicamente para añadir riqueza al conjunto.

Si Ace quiere volver a ensombrecer el trabajo de Paul con el suyo propio como hace 30 años tendrá que dar lo mejor de sí, y estoy convencido de que lo dará. Si Paul ha tomado las riendas del nuevo trabajo de KISS, seguro que sale algo realmente bueno.

Rock City Angels – Use Once and Destroy (2009)

La historia de esta banda es una de las enigmáticas y escabrosas de la historia del rock and roll.
El vocalista Bobby Durango y el bajista Andy Panick formaron Rock City Angels en Florida en torno al año 1982. El grupo alcanzó cierta fama en la escena local, primero abriendo para otras bandas y llegando a encabezar sus propios conciertos y grabar una demo en 1986, pero la falta de perspectivas llevaron a la banda a plantearse el abandonarlo definitivamente. En el que debía ser su concierto de despedida, Ann Boleyn de New Renaissance Records les ofreció un contrato discográfico y se mudaron a Los Angeles.
Ya en LA, se les une un guitarra rítmico que estaba llamado a hacer fortuna y convertirse en una superestrella mundialmente reconocida, pero en otro campo: Johnny Depp. La banda, con su look y sonido glammie, se gana a la mayoría de los clubs de fans de Guns and Roses. Entonces Geffen comienza a interesarse por ellos. Al sello no le gusta la banda, pero tienen miedo de que el éxito de los Rock City Angels destruya el camino hacia el estrellato de los Guns and Roses.

La mánager de New Renaisance Records recibe una llamada telefónica amenazándola con que se mantenga alejada de la banda, y posteriormente sfre un ataque contra su vida cuando su coche es empujado fuera de la calzada por otro. Finalmente, poco antes del lanzamiento del que debería ser el disco debut de los Rock City Angels, Geffen pone 6′2 millones de dólares encima de la mesa y se lleva su contrato. Acto seguido todas las copias del disco que han sido enviadas a las tiendas son recuperadas y destruídas y el disco no llega a ver la luz del día.

El siguiente paso es enviar al grupo a un lugar donde Johnny Depp, que aparece en la serie “21 Jump Street” y empieza a ser un ídolo juvenil, no pueda seguirles y son enviados a Tennessee a grabar otro disco. Les obligan a cambiar su imagen y su estilo musical hacia zonas más cercanas a ZZ Top que al glam y el punk de sus comienzos y como resultado aparece “Young Man’s Blues”, un disco excelente.

Tras la edición de “Young Man’s Blues”  el grupo gira como teloneros de Jimmy Page, Joan Jett y The Georgia Satellites y comienzan a grabar material para su segundo álbum con Geffen, llegando a colaborar con el ex-guitarrista de Thin Lizzy Brian Robertson. Sin embargo, llegados a este punto, son despedidos de la compañía y éste segundo disco tampoco llega a ver la luz del día. Hay varias teorías sobre el motivo del despido, algunas tienen que ver con uso masivo de drogas (se dice que en una actuación televisiva se dejaron sus jeringuillas en los lavabos), mantenerlos alejados de Johnny Depp y problemas legales relativos a los créditos de alguna de sus canciones. Sea como fuere, el caso es que la carrera del grupo queda muerta para siempre.

“Deep Inside My Heart”, del “Young Man’s Blues”.

Bueno, no para siempre. En el año 2000, New Renaisance Records por fin editó el que debiera haber sido álbum debut de la banda y el “Young Man’s Blues” fue reeditado en 2005. Mientras tanto, Durango y Panick reunieron el grupo en 2001 y comenzaron a trabajar en un nuevo disco “Use Once and Destroy”, pero su grabación se retrasó varios años, hasta hace unos pocos meses. Supuestamente el álbum vió la luz en noviembre de 2008, aunque yo no he tenido noticia de él hasta ya entrado el 2009. Tal vez la fecha de edición haya variado en los distintos continentes.
El disco suena muy garagero, algo lógico si tenemos en cuenta que es un disco autoproducido.

Tras una extraña intro, el disco empieza con “Psychopath”, una fuerte descarga de Punk-Rock con toques Hard, al viejo estilo. “Corrine” es un tema un poco menos acelerado y que podría haber encajado perfectamente en el “Young Man’s Blues”. “I Got Your Heart” y “Report Card Day” siguen con la estela más cercana al Punk de sus inicios y “Coffee and Cigarretes” me recuerda horrores al Iggy Pop de canciones como “The Passenger”. “Use once and Destroy” es una excelente balada crepuscular, lenta y oscura, con un emotivo solo de guitarra, mientras que “I ain’t no miracle worker” es un tema de aires surf sesenteros que comienza con una sugerente línea de bajo . “I Keep Fighting” está a medio camino entre Billy Idol y el Punk Pop más juvenil. “Convicted” es un tema 100% Punk. Para comtrarrestrar siguen con “Comeback” que es una bonita balada. Para cerrar el álbum, otro tema que empieza con una intro similar a la primera, “Divine Asylum”. Es una de mis canciones favoritas, acaba el disco con un toque de clase, Hard Rock de alta escuela con una gran melodía que es difícil dejar de tararear incluso cuando el disco llega al final y se acaba la música.
En resumen, uno de mis discos preferidos de lo que llevamos de año. Se confirma que Geffen nos privó de una banda destinada, no a la grandeza de los Guns and Roses -que supuestamente llegaron a amenazar-, pero sí a darnos muchas horas de buena música.

Por último, os dejo unos cuantos enlaces.

El Myspace de la banda: http://www.myspace.com/rockcityangelsmusic
En este blog está la reedición del que iba a ser el primer disco de “Rock City Angels”: http://martiresdelrocknroll.blogspot.com/2009/06/rock-city-angels-st.html
En este el “Young Man’s Blues”:  http://hard-rock-city.blogspot.com/2008/02/rock-city-angels-young-mans-blues.html
Y aquí, el disco que nos ocupa “Use once and Destroy”:  http://zapatosrockeros.blogspot.com/2009/06/rock-city-angels-use-once-destroy-2009.html

ChickenFoot – ChickenFoot (2009)

Ayer, 1 de Julio estaba previsto que ChickenFoot diesen su primer concierto en España, en el pabellón de los Deportes de la Comunidad Autónoma de Madrid.

Pero eso no sucedió. La versión oficial es que una lesión del batería les obligó a la suspensión. Pero las mentes malpensadas, sospechan que la escasa venta de entradas tiene algo que ver.

Lo cierto es que parece evidente que un gran pabellón deportivo parece un recinto que se escapa del alcance de una banda recién formada y cuyo álbum de debut acaba de salir a la venta hace un par de semanas. Sin embargo, para quien conoce la trayectoria de los músicos que están detrás de este súper-grupo, lo que le parecerá extraño es que el mismo día en que 90.000 personas abarrotaban otro concierto en una ciudad no muy lejana, sólo se hubiesen vendido unos pocos puñados de entradas para ver a estos 4 héroes del rock. La extraña cultura musical patria y la mala (nula) promoción, cuando van de la mano, acaban así.

Presentemos a los músicos:

El nombre del batería lesionado es Chad Smith. Si decimos que es batería de los Red Hot Chilli Peppers seguro que nos ubicamos mejor. Chad es un gran batería, y cuando su banda madre se toma un respiro se embarca en otras cosas, como ahora ChickenFoot o sus giras con Glenn Hughes.

Probablemente el más famoso de los 4 en España sea el guitarrista. Joe Satriani, el tipo que surfeó con el Alien. Auténtico “Guitar Hero”, uno de los músicos más aclamados, famosos, prestigiosos y vendedores como solistas de los últimos 25 años. En el Olimpo de los Dioses de la guitarra comparte el trono con tipos como Eddie Van Halen y Steve Vai, a quienes, ahora los relaciona algo más.

¿Qué esa nueva relación que ha ganado Joe Satriani con Eddie Van Halen y Steve Vai? que ahora forma parte del “árbol genealógico Van Halen”. No por pasar por la banda, pero sí por formar una nueva con dos músicos expulsados de Van Halen. Estoy hablando de Sammy Haggar y Michael Anthony.

Michael Anthony no debería necesitar tampoco de muchas presentaciones. Toda su carrera tocando el bajo y haciendo los coros en Van Halen. Desde el álbum debut en 1978 hasta el recopilatorio “Best Of Worlds” de 2004. Pasaron de tocar en bares, fiestas infantiles y concuersos de camisetas mojadas a llenar estadios por todo el mundo, revolucionaron el arte del rock y el mundo de la guitarra y editaron 12 discos multiplatino y sólo un resbalón (Van Halen III, en 1998, con Gray Cherone de sustituto del sustituto).

Por su parte Sammy Haggar, que contaba con una extensa carrera previa, tanto en solitario como con Montrose, tuvo la difícil misión de sustituir a David Lee Roth como vocalista de Van Halen a mediados de los ochenta. El resultado musical es motivo de eterno debate, pero lo cierto es que el éxito siguió sonriéndoles y todos los discos con Sammy fueron multiplatino y el nivel de popularidad del grupo se mantuvo estable durante la década en que él permaneció en la banda. Fue sustituído a finales de los noventa por Gary Cherone, pero fue tal el batacazo que se pegaron, que en 2004, Sammy regresó a la banda, se editó un doble recopilatorio titulado “Best of Both Worlds” y la banda se embarcó en un tour que acabó con las expulsiones tanto de Sammy como de Michael Anthony. Supuestamente, según Eddie, por aprovecharse del grupo para hacer publicidad de sus propios productos.

Así que fuera de Van Halen, se montan este proyecto. Y la elección de sus compañeros es excelente, el resultado discográfico también.

Dice Joe en el Myspace de la banda que él siempre quiso ser guitarrista de un grupo, que fueron las circunstancias las que le llevaron a acabar haciendo carrera en solitario y que está encantado con esta nueva circunstancia. La verdad es que su trabajo es excelente, pero comedido, aquí se ajusta a los requerimientos de las canciones y no hay más florituras corremástiles que las necesarias.

También Sammy se muestra en un excelente estado de forma, su garganta no ha perdido potencia ni cualidades. Tampoco la de Michael Anthony que nuevamente deja claro que tanto su bajo como sus aportaciones a los coros eran una parte clave en el sonido de Van Halen.

Por su parte, Chad Smith es para algunos la auténtica estrella del disco. Yo no diría tanto, pero sin duda alguna su trabajo es de alto nivel.

“Avenida revolución” abre el disco con unos riffs duros y unos coros característicos y cuenta con un excelente trabajo guitarrero.

“Soap on a Rope” es un tema de aire más alegre, construída en torno a un riff entrecortado con aire funky, con unos interesantes diálogos voz-guitarra en las estrofas y un buen estribillo.

“Sexy Little Thing” comienza con unas guitarras de aire oriental. Es un tema ideal para sonar por la radio, con una gran melodía y muy pegadizo.

“Oh Yeah” es el primer single, sigue en la línea de las dos canciones anteriores, con su aire funky y su estribillo sencillo pero muy efectivo, ideal para un directo.

“Running Out” no cambia mucho de tercio, otra buena canción que empieza con unas líneas suaves que evolucionan de forma natural a un estribillo donde destacan los coros.
“Get It Up” sube las revoluciones, un tema mucho más duro y acelerado, con unas partes un tanto “oníricas” que contrastan con el riff más duro del estribillo, donde Sammy se desgañita al estilo mexicano: “Arriba!, Arriba!”.

“Down The Drain” baja les revoluciones, que no la intensidad. Un tema con un aire entre épico y un blues sexy atmosférico, en donde destaca el efecto wah-wah.

En “My Kinda Girl” suben otra vez la velocidad. Es un tema cercano al power-pop que cuenta con una melodía impecable, donde destaca el trabajo de Michael Anthony en los coros y que sería un single perfecto. En un mundo mejor esta canción sonaría a todas horas en la radio.

“Learning To Fall” es la Power-Ballad del disco.

“Turning Left” es un tema basado de nuevo en una guitarra a medio camino entre el funk y el metal, con una progresión muy interesante, que nos retrotrae a ciertos momentos de finales de los ochenta.

“Future In The Past” es un tema que va cambiando de estilo y acaba entremezclándolos. Comienza como si fuese una balada semi-acústica, para cambiar a un ritmo funk muy marcado, sigue con una parte intermedia con aires orientales y que nos lleva al clímax final.

Por último, existe un bonus track, titulado “Bitten By The Wolf”, un blues animado, de marcar el ritmo pateando el suelo y tocar la harmónica de camino a New Orleans.

Para más información, el Myspace de la banda:

http://www.myspace.com/thechickenfoot

La página oficial:

http://www.chickenfoot.us/

Kobetasonic, Sábado 20 de Julio 2009.

Mötley Crüe se acercaban a españa por primera vez en 4 años y segunda en la historia, y no era cuestión de perdérselo, así que allí nos plantamos.
A eso de las 3 de la tarde cogí el autobús que subía desde el entorno de San Mamés hasta el monte Kobeta, donde se celebra el festival.
Retiré mi entrada y entré en el recinto. A esa hora, estaba tocando Lauren Harris. Lauren es hija de Steve Harris, de Iron Maiden, y además, está de buen ver. Motivos que puede que le abran algunas puertas, pero hacen que afloren los prejuicios, que si consigue tocar en festivales y grabar discos es por eso y no por sus méritos propios. Además, siendo hija de quien es y habiendo girado con el grupo de su padre en el pasado, me esperaba encontrarme con algo de estilo Heavy clásico o épico. Nada más lejos de la realidad. Lauren hace un Hard Rock de lo más divertido, se desenvuelve en el escenario como si estuviese en su casa y sus compañeros de grupo también saben cómo entretener a la audiencia. Necesitan algunos Hits, pero fueron una grata sorpresa.
Tras Lauren, salieron God Forbid al escenario principal. No hacen un estilo que me llame mucho la atención, pero supieron ganarse al público que había a esa hora y dieron un concierto bastante entretenido.
No me quedé hasta el final, los siguientes eran Buckcherry, el motivo por el que subí tan temprano.
Los Angelinos empezaron un poco flojos en el primer tema, fue una especie de calentamiento. Pero a partir de ahí cogieron el tono y dieron un gran concierto. Destacaton Josh Todd, gran vocalista y front-man, que se entregó con ganas y el guitarra rítmico, con aspecto de chuloputas filipino, que no paró quieto ni un segundo y se metió a todo el mundo en el bolsillo. Su concierto se basó en temas de los dos últimos discos (el platino en USA “15″ y el reciente “Black Butterfly”), de la primera etapa del grupo sólo sonó su primer Hit “Lit Up” (gran momento, con todo el mundo coreando eso de “I Love The Cocaine”) y el “Time Bomb” fue obviado por completo, una lástima ya que tiene grandes canciones. Acabaron la fiesta con su mega-hit “Crazy Bitch” y dejaron una sonrisa en todos los que estuvieron su show vespertino.
En el escenario principal seguín DRagonforce. No me gusta mucho su estilo, así que no presté demasiada atención. En cualquier caso, parece que causaron buena impresión entre sus seguidores. Lo que más me llamó la atención fue un guitarrista saltimbamqui realemtne divertido.
Papa Roach, de vuelta al segundo escenario, son en 2009 una banda muy diferente a la que ví hace ya ocho años en un Paredes de Coura. Han abandonado el cutre Nu-Metal para hacer algo más melódico. Me parecen unos posers, pero sonaron bastante bien, se metieron a su audiencia en el bolsillo y la impresión general fue que hicieron un gran concierto.
Con Anthrax las cosas se pusieron serias otra vez. Sin ser un seguidor acérrimo, sólo casual, del Trash Metal, Anthrax siempre han sido mi banda preferida del estilo. Estrenaban nuevo vocalista y a mí me pareció aceptable, no sé que les parecería a los fans de toda la vida. “Anselmo de segunda” he leído en algún sitio. Es cierto que me recordó a Phil en algunas cosas, pero yo le doy el aprobado. El concierto, por lo demás, muy entretenido y con sonido bien potente. Mucho mejores que los que ví de Slayer hace un par de años… para mí, que es que Anthrax ya me parecen más interesantes de por sí.
Al final “Thin Lizzy” se cayeron del festival y fueron sustituídos por otros Lizzy, Lizzy Borden. Ése grupo que parecían unos Megadeth jugando a Alice Cooper en el famoso documental “The Decline Of Western Civilization Pt. II: The Metal Years”. Un Heavy Metal teatral entretenido para pasar el rato. SAcaron un repertorio de máscaras, capas, hachas, disfraces, maquillaje, sangre y sobre todo, una bailarina espectacular que supongo que habrá hecho méritos en camerinos para ganarse un ascenso a bailarina de Mötley Crüe (Es coña… aunque si Vince le puso el ojo encima seguro que no escapó).

In Flames fueron el momento de avituallamiento y sólo ví el final, mientras me adentraba para coger sitio en las primeras filas y de Dream Theater, que no me gustan nada, sólo puedo decir que, por suerte, desde el escenario 1 no se oía nada de lo que sonaba en el 2, y hablando con la gente en las primeras filas, se me hizo llevadera la espera para los Crüe.

Y bien, por fin, llegamos al motivo del viaje a Bilbao. Mötley Fucking Crüe.

Suena “Hells Bells” por la megafonía (durante el resto de la tarde lo había hecho el “Live Bootleg” de Aerosmith, ¿Quiere esto decir algo?¿Estarán por aquí el año que viene?). Se apagan las luces. El telón permanece levantado y tapando el escenario. Un “Speech” sirve de introducción y con un famoso rugido guitarrero comienza el espectáculo. “Kickstart My Heart”, el tema perfecto de “Stadium Rock” festivo. La fiesta ha comenzado. El montaje es bastante austero comparado con el circo salvaje de su visita anterior. Un telón de luces que van imitando las imágenes de las pantallas laterales domina el fondo y, delante, entre la banda y el telón, unas letras desordenadas y colocadas al revés, de cualquier manera, que dicen “LOS ANGELES” .

El resto lo hace la propia banda. Principalmente Vince. El rubiales es el amo del escenario, canta a su mejor nivel, se mueve de un lado a otro, se mete a la audiencia en el bolsillo, bromea con Nikki, etc… Una de las anécdotas del festival fue alguien le tiró una camiseta con el mensaje “KILL AXL ROSE”, cuando lo leyó se rió y se lo enseño a Nikki. En definitiva, fue la gran estrella del festival.

Mick apenas puede moverse, sólo camina hacia el frente del escenario de vez en cuando, pero toca como los diablos. Me impresiona la evolución musical de este hombrecillo cadavérico y misterioso. Dota a los viejos temas de nuevos detalles, más sucios y más técnicos a la vez. Impresionante.

Tommy es el batería más espectacular de todos los tiempos, y además tiene sus momentos de gloria, cuando el resto de la banda abandona el escenario y se mete entre los asistentes a repartir bebida. A alguna gente este tipo de cosas le irritan, pero claro, será que les pilla lejos. Los que estábamos cerca de la vaya nos lo pasamos teta esos momentos. Y no, pese a la palabra que he empleado, esta vez no hubo Tit-Cam. La cosa no tuvo mucho éxito en el pasado tour, así que es lógico que haya desaparecido.

Por último, Nikki Sixx, genio y cerebro de la banda (bueno, lo justo es decir que él ES Mötley Crüe) sin embargo no tuvo un día inspirado. No estoy diciendo que tocase mal, nada más lejos de la realidad, cuando además, sus partes no son demasiado complejas en general. Tampoco estuvo huraño ni nada parecido. Simplemente estaba allí arriba, cumpliendo y pasándoselo bien tocando con sus colegas, especialmente ocn Vince. Dirigió los típicos gestos amistosos al público, sonrisas, eso de llevarse la mano al pecho, repartió púas etc… Pero no parecía estar dándolo todo al 100% completamente concentrado el volarnos la cabeza, simplemente hizo su trabajo de forma profesional, con bonitos gestos a la audiencia y una sonrisa en la boca.

El Set-List se hizo un poco corto, sólo 14 temas, hora y media, pero no sobró nada. Los 14 temas que cualquiera metería en un grandes éxitos. El set List fua aproximadamente el siguiente (igual me equivoco ce orden o me dejo alguna): “Kiskstart My Heart”, “Wildside”, “Shout at The Devil”, “The Saints of Los Angeles”, “Mick Mars Solo /VooDoo Chile”, “Live Wire”, “MotherFucker of the Year”, “Don’t Go Away Mad”, “Primal Scream”, “Same Old Situation”, “Looks That Kill”, “Girls, Girls, Girls”,  “Dr. Feelgood”  y para acabar, el bis con “Home Sweet Home”, con Tommy tocando el piano y el resto del grupo alrededor suyo haciendo la primera estrofa. A mitad del tema Tommy vuelve a la batería y lo acaban con todo el equipo. Y por fin las despedidas, y ahí Tommy arrojó su cerveza sobre el piano, y uno de los trozos salieron volando y un chaval tuvo que pararlo con la mano ante el riesgo de quedarse sin ojo.
Después aún tocaban “HateBreed” en el escenario secundario, pero a la mayoría nos importaba poco, nos dedicamos a beber, comentar las jugadas, ver el escaso merchandising, conocer gente y disfrutar de la noche.
Ojalá que repitan, auqnue sea por separado, tanto Mötely Crüe como el Kobetasonic para el año que viene.